La vela perpetua

Intro mix

2009-03-28T22:40:00.000-07:00

"No wey, ese wey llevaba cinco minutos, llegó quemado dos veces...", increpaba el chofer al checador quien, desde el otro lado del estribo, lanzaba una mirada al chofer como diciendo "yo soy el que está debajo del camión". No se daban cuenta que, a pesar de ser las nueve y media de la noche, en el metrobús viajábamos siete personas. La noche de jueves no era tan fría como lo advertía la chica delgada del clima: "Abríguese, para la noche habrán rachas de viento polar...". Dictadorzuela.
El silencio previo al movimiento de nuestra nave fue aniquilado por la súbita presencia de un vendedor-microempresario. Un ejemplar que desafíaba los postulados más sofisticados de la imagen comunicativa y la persuasión de ventas. El medio es el mensaje. Habló: "Buenas noches damas y caballeros, en esta ocasión les venimos presentando la última colección musical Música nostálgica del recuerdo, 120 éxitos con los mejores temas que usted conoce". El camión dejó tras de sí la imagen paupérrima del checador.
El vendedor era un hombre alienado. Tras de su espalda colgaba una pequeña mochila que hacía las veces de caparazón. Emitió un sonido. Milagro inesperado del ingenio urbano: la mochila portaba una bocina y un reproductor de cd-mp3 portatil. Play y fsss...bep, bep, para subir el volúmen. Intro mix: "Adiós amor, no se puede continuar.../Y volvereeeeeeee/Día con día los meses se van, no se ni cuando ni como.../C-c-c-cómo te extraño/Pssssss/Shumshumshum/Quiero dormir cansado, para no pensar en ti.../Dí, dí porqué, nos dijimos adios.../Hay luto en mi alma.."
El chofer sonrió. La señora que iba sentada detrás de él sonrió. Sus vecinas de asiento sonrieron y dijeron algo que no alcancé a percibir. La mujer que viajaba en el asiento paralelo a mí sonrió y buscó dinero extra para una posible compra. Quizás alguien lloró por el inminente ataque de (a la) nostalgia. Me consta que alguien comenzó a cantar, pero en voz leve. "Hipocreciaaaaaa, morir de sed teniendo tanta agua/Aquí en mi corazón, llevo una herida cruel, que no podrá sanar, nunca jamás/Do-do-dolor/Ay amor divino, pronto tienes que volver" y más FSHHSHSHSH. Destellos y vértigos sonoros, furia hi-fi. 120 éxitos: "todos en formato mp3, la máxima calidad en sonido, ahora a un precio súper especial: diez pesos solamente". El vendedor ya se había fastidiado de haber reproducido el mismo intro mix por cerca de trescientas veces.
"¡Dáme uno!", dijo un señor que viajaba detrás de mí. Su tono era como si lo estuvieran forzando a comprar el maldito disco. Yo seguía en mi empeño por retirar los residuos rojos empotrados bajo mis uñas de la mano derecha (suelo traer las uñas de la mano derecha más largas que las de la izquierda). La sangre seguía siendo espesa. "¿Cómo que emepetrés?" cuestionó inquisitoriamente una señora, no menor a los cuarenta años. "Pus sí, emepetrés...lo que pasa es que caben más canciones así", atajó el vendedor. "O sea ¿si lo meto en mi grabadora se va a oir?", insistió la señora. "Pero sólo si dice emepetrés" dijo el microempresario, emulando miméticamente la leyenda MP3 en un reproductor imaginario.
Harto de ellos, opté por echar una mirada improvisada por la ventana, solo para recordar de dónde venía y a dónde iba. Decidí pensar en la diferencia entre causa y consecuencia..."Si no lo lee me lo cambia por un normal", siguió la señora, quien ya se preparaba para bajar en la siguiente esquina. "No hay bronca, todos los devedé leen emepetrés", sentenció el hombre bocina, mientras José José daba ladraba la palabra almohada.
¿Cuánto podía ganar vendiendo discos pirata en los camiones, como lo hacía el hombre bocina? A diez pesos cada uno. Miré de reojo los zapatos del vendedor. No sé si sentí ganas de llorar o de golpearlo. El oído derecho comenzó a zumbarme nuevamente, no obstante mis piernas habían dejado de temblar. El camión llegó a los arcos. El vendedor había dejado de sonar las inmundicias baladas hechas mierda por grupos nostálgicos del recuerdo. ¿Sabían esas personas quiénes eran Electric Light Orchestra, Nazareth, Leo Sayer...? Los zapatos del vendedor se habían esfumado junto con su dueño y su música nostálgica del recuerdo. Yo me bajé más adelante. El autobús me escupió y salió rugiendo. Antes de dar tres pasos más encendí un Delicado. Fumé mientras recordaba la tonalidad de una canción de Rigo Tovar que tanto le encantaban a las putas de ese lugar. Había llegado temprano al día más desgraciado de mi vida: el día posterior de haber matado a alguien con mis propias manos. Se hacía rápidamente tarde.

Siete diciembre Siete

2008-08-04T19:28:00.000-07:00

Lo que te puede cambiar la vida también te la puede arrebatar. Y se van al carajo todos tus aforismos, refranes y promesas de plástico. Se van con ellos tus prejuicios, tus más sagrados descaros y tus más íntimas inquietudes: estar tendido en el suelo, con un chorrazo de sangre saliendo de tu cabeza, en contra de tu voluntad suele ser trascendente. Pero aquí no ha pasado nada. La vida (a lo que yo le llamo Vida) me tiene aquí, sin presentimientos; quizás ahora me caiga un avión encima mientras escribo estas líneas. La voluntad de un Volvo S40 color verde olivo, con placas para el Estado de México sucumbio a mi necedad, mi tosudez, mi descaro por ser y estar. Y sigo.

Aniversario del Museo de Arte de Querétaro

2007-09-17T14:52:00.001-07:00

El Museo de Arte de Querétaro, inaugurado el 22 de septiembre de 1988, celebrará el próximo 20 del presente su aniversario número XIX, “con una serie de eventos conmemorativos, entre ellos la presentación del libro “Esplendor de la Arquitectura Novohispana” tomo II, del documentalista y escritor Sarbelio Moreno Negrete, así como una exposición colectiva en torno al aniversario”, afirmó la artista plástica Marcela Herbert, directora del recinto.

Se trata, ante todo, “de reafirmar al Museo de Arte entre los más importantes museos del el país porque sabemos que lo es, por su arquitectura barroca del siglo XVIII, su complejidad en la estructura y por la obra novohispana que congrega en sus diferentes salas, y las múltiples exposiciones de todos los estilos y propuestas ahí expuestas” detalló Herbert al referirse sobre la situación que ocupa el Museo de Arte en el circuito nacional de museos.

Originalmente construido a partir de 1723 por un grupo de frailes agustinos de la provincia de Michoacán, para ser convento dedicado a la Virgen de los Dolores “el Museo de Arte por sí sólo implica una obra de artística. Hemos mantenido gran parte de la estructura original, tanto en sus dos niveles como en las salas. Desde mi gestión las modificaciones han sido muy pocas, salvo la nueva bodega, que ofrece mayor amplitud y utilidad para las funciones propias del museo”, detalló la artista plástica y docente de pintura.

Marcela Herbert es una de las tres mujeres que dirigen museos de importancia cultural para nuestro estado y el país, tales como el Museo Regional dirigido por Rosa Estela Reyes, y el Museo de la Restauración, bajo la dirección de Concepción Lambarri. Sin embargo, nuestra entrevistada considera “que no es una cuestión de género, sino de profesionalismo y responsabilidad que demanda la gestión de espacios culturales tan importantes”. Desde esta perspectiva “sabemos de nuestra obligación de preservar los pocos y valiosos espacios destinados al arte en nuestro estado”.

Con colecciones permanentes de movimientos artísticos tan diversos como el Manierismo, Barroco, una modesta pero importante sección de pintura Europea y Pintura Mexicana del Siglo XIX, distribuidas en sus diferentes salas, en sus dos niveles, el Museo de Arte, dependiente del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, cuenta con el Claustro de San Agustín, considerado el patio barroco más importante de América.

Ante las campañas mediáticas de las maravillas nacionales e internacionales, los espacios culturales, como el Museo de Arte, se ven en la disyuntiva de ofrecerse al público con proyectos de publicidad intensiva o de difusión más conservadora, dirigida a la gente más interesada en la cultura. Al respecto, la autora de la colección “Expresiones del Tiempo”, opinó: “se trata de coadyuvar las dos cuestiones. Por un lado se trata de que el Museo del Arte y las exposiciones lleguen a toda la gente, para que el público nos visite. Pero también se trata de conservar los estándares de calidad y la congruencia entre las obras que se exhiben y el perfil del mismo recinto”.

Ante la lamentable situación de deterioro que sufren otros recintos, como el Exconvento de Santa Rosa de Viterbo, Marcela Herbert declaró que “el Museo de Arte no padece esta problemática en ninguna de sus secciones, ya que cuenta con una estructura magistralmente elaborada, con edificaciones fuertes y de materiales de la más alta calidad”. Sin embargo reconoció que “los problemas que enfrentamos como recinto son las filtraciones de agua de lluvia, ya que el sistema de drenaje no es efectivo para desahogar en con rapidez el líquido, provocando encharcamientos en el patio, sin que se ponga en peligro el acervo y las colecciones”.

Además del apoyo permanente que recibe de Gobierno Estatal, a través de partidas presupuestales, el aposento cuenta con el auspicio continuo de los Amigos del Museo del Museo de Arte de Querétaro Asociación Civil y de diferentes empresas de la iniciativa privada, así como de instituciones educativas y culturales. Dicho apoyo, aunado al aporte oficial, “es de importante valía para el funcionamiento del Museo, sin el cual sería casi imposible el funcionamiento del Museo”, reconoció Herbet.

Al respecto, la directora señaló: “nos interesa tener más empresas de la iniciativa privada dentro de los programas de patrocinio y apoyo para el Museo, de esta manera podemos hacer extensiva la cantidad y la calidad de los servicios que se ofrecen en el recinto. Se trata sobre todo de permear de la responsabilidad social que tiene la sociedad con los espacios culturales, sobre todo las personas que tienen las posibilidades de apoyarnos con patrocinio”.

Asimismo instituciones culturales, como la Universidad Autónoma de Querétaro, la Orquesta Filarmónica del Estado, entre otras contribuyen a consolidar los diferentes servicios, tales como el Departamento de Servicios Educativos, el departamento de curadoría, entre otros. “Pero tratamos de extender otras actividades del Museo, tales como la investigación, una mayor y mejor publicación de las colecciones que se exhiben y un crecimiento en el acervo y vinculación con la librería del Museo, la cual queremos dirigir más hacia aspectos plásticos, en concordancia con la actividad del Museo”, detalló.

¿Cuáles son los retos a futuro que enfrenta el Museo de Arte? Marcela Herbert, en sintonía con lo que consideró “una problemática compartida con los otros museos”, afirmó que se trata de acercar más al público a los recintos y actividades culturales de nuestro estado, así como “provocar un mayor interés por parte del gobierno, en sus tres niveles, para un crecimiento en el presupuesto, y una mayor participación de la iniciativa privada que, por medio de patrocinios, nos permitirá incrementar la cantidad, variedad y calidad de los servicios del Museo”.

El Museo de Arte de Querétaro, efigie única que congrega la visión barroca y contemporánea de la cultura queretana, celebra su XIX aniversario con el próximo jueves 20 desde las 19:00, con la presentación del libro de Moreno Negrete y entrega de reconocimientos, y del 22 de septiembre hasta el 6 de octubre con la exposición colectiva 19 Arte Contemporáneo.

Cuaderno de Agua

2007-09-17T14:47:00.001-07:00

¿Cómo puede derivar el insomnio en poesía?, ¿dónde radica el motivo expotador de la creación? Cuaderno de Agua (Fondo Editorial Tierra Adentro), del escritor y ensayista capitalino Jorge Solís Arenazas (Ciudad de México 1981) es el resultado literario de una crisis de salud por la que pasó el escritor, cuya obra será presentada el próximo jueves 13 de septiembre a las 20 horas en el Express Arte Café, auspiciado por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.

Cuaderno de Agua está conformado por Tabula Rasa, Debajo del muñón del pulpo, Escolios y Cuaderno, donde cada bloque o capítulo constituyen específicas representaciones simbólicas de riqueza evocativa y recursiva, en la búsqueda constante por encontrar la escritura en su estado más primigenio, permeando de reflexiones, confesiones y decantaciones estéticas, tomando como cómplice al lector.

Tabula Rasa, primer cuaderno con el que abre el volumen, comienza con una advertencia y una dicotomía entre el todo y la certeza de la existencia. Una exploración hacia la alucinación y la intervención onírica con la realidad fugaz: “Lo que ves es todo lo que es El Ojo es todo lo que hay”, revela Solís Arenazas. “Mira bien: lo que ves es todo lo que es”.

¿Acaso la certeza del silencio permite imaginar otras vertientes representativas en el lenguaje poético? el también autor del libro de ensayos Entre la iguana y el colibrí desarrolla una bifurcación literaria, entre el cuestionamiento estructural de la poesía y a diferente disposición de las posibilidades del lenguaje poético. Así, tenemos un ejercicio de circunscripción simbólica en el tercer texto de Tabula Rasa: “Donde dice “Ojo” debe decir algo más. No en el vocablo diferente, la diferencia. Donde dice “Ojo” podría seguir diciendo “Ojo” si el signo se trascendiera. Incluso podría decir “Ojo” –en una red inmensa donde la posibilidad fuera el camino de lo total”.

Seis años le tomó a Jorge Solís Arenazas concluir Cuaderno de Agua, cuyo proceso de creación, no exento de vicisitudes enfermizas, se vio engalanado con la obtención del Premio de Poesía Joven Elias Nandino 2006, certamen convocado por el Fondo Editorial Tierra Adentro del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Dicha distinción al obtuvo Solís Arenazas después de competir ante 228 trabajos, dictaminados por Víctor Manuel Cárdenas, Carmen Villoro y Héctor Guerrero, siendo Cuaderno de Agua la número 226.

Jorge Solís Arenazas propone un proyecto de escritura que “más que buscar una trascendencia, tenía que ver con los límites del lenguaje en el mundo formal”. ¿Acaso el lenguaje está limitado por el silencio? El autor considera que se sintió interesado por el silencio, “lugar donde el lenguaje no puede llegar y que para mí representa una enseñanza sobre nuestros propios límites y nuestra finitud”.

Sin embargo, el horizonte de expectativas del autor se desdobla y revela una irónica implicación del lenguaje en la concepción del silencio. Es en Cuaderno, donde ese vacío se presenta evocado desde el lenguaje poético: “No camina el tiempo por otra ciénega distinta a las vértebras. Hundida en mis piernas, esta grapar me impide caminar: se abre en el Insomnio de Nadie. De este sitio se desprende la escritura”.

¿Cuál es la situación del lenguaje ante el silencio al que se refiere Solís Arenazas? más que un silencio es un aliciente. Una frase de Octavio Paz bien podría reforzar el argumento de Solís Arenazas: “Enamorado del silencio, al poeta no le queda más recurso que hablar”. Y nuestro autor demuestra que habla desde la poesía empeñada en mostrar los límites de la enunciación, cuando afirma que su escritura parte de un lenguaje herido, que no puede decir las cosas con inocencia, y que rigurosamente interroga a cada una de las palabras como una manera de dimensionar el lenguaje éticamente.

Así lo demuestra en otro de sus pasajes figurativos: “La pregunta: algo se ramifica sin detener la hélice, los caminos cuyo imán borra la esfera. Detrás de la soga, ningún paso que no diga la imagen. Al llegar a ese lugar, llueve la trajinera hacia abajo. El cuerpo sin reunión es la apertura. Todo es huella del arco floral. Esos breves portales para la navegación no tienen nombres; escapan a cualquier letra. Sobre el agua cruje la madera, el remo vuelve al ritmo, es la letra su propia ausencia”.

Cuaderno, sin duda la parte más elocuente del ejercicio poético en prosa, permite dilucidar la inquietud de autor y sus esfuerzos por trascender a sí mismo, de denunciar la función de la escritura como aliciente pudoroso: “Desconfío de los poemas que dan la impresión de que el lenguaje y el ser son puros, inmediatos, asépticos. Este tipo de lenguajes pueden funcionar desde una perspectiva estética pero la poesía no puede circunscribirse únicamente a ello”, refiriere el poeta.

Julieta Márquez y sus livianas chejovianas

2007-09-17T14:42:00.000-07:00

"Livianas Chejovianas”, proyecto de adaptación teatral desarrollado por la artista escénica Julieta Márquez, acreedor al estímulo del Programa de Apoyo a la Producción Artística del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA), tratará de presentar la naturaleza y condición humana desde visiones teatrales a través de cuentos de Antón Chejov dirigidos al espectador joven.
La intención inicial, según la actriz formada en el Foro Teatro Contemporáneo, “es llevar a escena inicialmente tres cuentos de Antón Chejov, “El Contrabajo”, “El Gordo y el Flaco” y “La muerte del funcionario público”, desde un lenguaje más adecuado que llegue a los jóvenes”. Abundó: “he visto diferentes esfuerzos teatrales que se empeñan por llegar al público joven; sin embargo, al utilizar lenguajes escénicos complicados, los jóvenes pierden ese interés por el teatro, se desencantan y no se acercan”, detalló.
Aburridos, incompresibles, demasiados prejuicios que se gesta en el espectador joven por el hecho de tratarse de autores clásicos. Márquez revela: “lo que buscamos con este proyecto, que incorpora a Uriel Bravo en la dirección y a Manuel Puente en la actuación, es utilizar lenguajes que sean divertidos, ágiles y accesibles para permitir otro acercamiento a la obra de Chejov, presentando obras con temáticas sociales y cotidianas, con inclusiones directas de la condición humana”.
Entre los nombres de Dostoievski, Tolstoi, Pushkin, Gogol, ¿por qué se eligió a Antón Chejov? Nuestra entrevistada reconoce: “además de ser su admiradora, lo elegí porque es un escritor canónico que marcó la pauta para muchos otros creadores de la literatura y la dramaturgia, desde sus temáticas cotidianas, por su lenguaje aparentemente simple y por el sentido de concreción en sus textos no lo tienen otros escritores”.
Actriz de a obra “Muerto El Perro...”, reveló que la “Livianas Chejovianas” significó un gran reto en su adaptación: “a primera vista podrían tratarse de anécdotas sencillas, pero al adentrarte al texto, al releerlo, al verlo, te das cuenta de que hay algo que te está invitando a penetrarlo de otra manera. Desde la primera vez que leí a Chejov me causó un estado de fascinación, que llegué a decir ¡qué fue lo que leí! y eso es lo que busco trasmitir en el escenario”
La autora revela que este proceso de proyección de “Livianas Chejovianas” comenzó desde hace siete años: “yo sabía que había algo en los cuentos que aún no lograba entender, con el correr de los años comencé a configurar otras lecturas de los textos, indagando en la multiplicidad de puntos de vista y de lectura. Habrá gente que lo toma como un relato humorístico, habrá gente que logre desentrañar al texto y lo haga suyo”.
Actriz protagónica del circuito teatral queretano, Julieta Márquez reconoce que las opiniones de sus colegas en torno a las “Livianas Chejovianas” a un principio fueron obviedades, con base a los numerosos montajes anteriores del escritor ruso: “me decían: vas a montar El Oso, La Dama del Perrito, entre otros cuentos que se han montado constantemente desde hace muchos años”. Sin embargo, destacó que no siguió la línea tradicional de adaptaciones chejovianas.
Así, “Historia de un Contrabajo”, drama azaroso en torno a una desafortunada decisión del protagonista; “El Gordo y el Flaco”, disgregación clasista que evoca la separación social de los estados modernos; y “La muerte del funcionario público”, cuento que transgrede la situación espacial y temporal de la muerte y las vicisitudes cortesanas de la cotidianidad aparentemente real, son los cuentos que inicialmente conforman “Livianas Chejovianas”, con miras a ampliarse con tres cuentos más, según Márquez.
En un trabajo de adaptación tan arduo y complejo, para la artista escénica “definitivamente es el personaje la entidad donde centra más mi esfuerzo, por lo que nos dice, lo que siente, lo que sufre, lo que anhela, por cómo nos muestra los diferentes rostros y cómo nos invita a desentrañar que hay detrás de ese rostro que vemos, qué hay entre las líneas del texto a partir del personaje, por sus acciones y sus reacciones, además por su identificación con la naturaleza humana”, detalló.
Al respecto de la escasa presencia femenina en las actividades teatrales de nuestro estado, Julieta Márquez atajó: “el hecho de que no aparezcan nombre de mujeres en los eventos, como en el caso de la Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia, no significa que no estén trabajando, yo conozco a muchas mujeres escenógrafos muy importantes en la Ciudad de México”. En nuestra ciudad reconoció que, tras estar dos años fuera de nuestra entidad estudiando dramaturgia, “no podría decirte exactamente cual es la situación con el teatro producido por mujeres, pero se de mujeres que son coreógrafas, escritoras, etc. en general la mujer ha ganado mucho terreno, a pesar de las actividades que por ser mujer te ves obligada a hacer”.
A propósito del género en las artes, declaró que “aún es mal visto que una mujer se desempeñe al teatro y que se dedique a las artes” sobre todo cuando tiene hijos. Citando al director teatral Ludwick Margules, refirió “los hijos de los actores son muy egoístas, quieren comer tres veces al día ¿cómo se les ocurre?”

Ensayo sobre la ceguera

2007-08-31T21:27:00.000-07:00

La izquierda mexicana actual, concretada principalmente en la imagen del Partido de la Revolución Democrática, padece una extraña enfermedad que les llegó de súbito, aunque ya se advertía su posible contagio: epidemia tribal escatológica con tufo a demagogia y democracia de levantadedo, arrebatos de micrófonos y abstinencia autocrítica. Ceguera, pues. Peste que se alegoriza en cada personalidad perredista y que exacerbó sus propios fantasmas, los mismos que ha atacado la izquierda desde la trinchera de la obstinación.

Quizás el hombre que esperó confiado un proceso democratizador en automático, como quien espera la previsible luz verde del semáforo, sea el mismo que se ha visto enclaustrado en una campaña presidencial perpetua. Quizás ese mismo hombre fue el primero en padecerla y en regarla con vehemencia por toda la clase política de izquierda de nuestro país. Quizás ese hombre sea el único que pueda ver y guiar a sus parroquianos, aunque sea por un instinto febril con coqueteos autoritarios.

Ni siquiera los hombres puestos en cuarentena obligada por videoescándalos sobre pedido (¡etimológicamente escándalos de la vista!) se han librado de padecerla; ellos desarrollan, incluso, sintomatología radicalmente autodestructiva, cerrando posibilidades de cura alternativas y progresistas con rumbo y visión.

Gradualmente le ceguera avanzó y terminó por infestar las dos principales tendencias: el Frente Amplio Progresista y Nueva Izquierda. Así, la ceguera blanca terminó por degenerar a sus hombres y mujeres, funcionarios, candidatos, acarreados, militantes, simpatizantes... los infestó de sus propios y más bajos instintos: votaciones fraudulentas, tomas pendilleriles de tribuna, enfrentamientos verbales y físicos, protestas cacofónicas.

Se apeló a la nulificación de los principios democráticos de izquierda y se fraguó una quimera, gestada por sentimientos antiliberales y miserables. Egoísmo y canibalismo, orquestado con un bajo continuo lúgubre: “¡Voto por voto, delegado por delegado!”. Y la sociedad, corrompida, expectante, defraudada, impotente, ciega al fin, sintió que su último reducto de esperanza se esfumaba, al igual que su ulterior participación sufragista, en un proceso interno, antidemocrático, espurio y ciego.

Ensayo sobre la Ceguera (1995), le valió al escritor portugués José Saramago (Azinhaga, 1922) el Premio Nobel de Literatura 1998. Una parábola de la cotidianidad actual, que en sentido eminentemente simbólico, hace referencia a la ceguera crónica producto del egoísmo y la violencia de nuestras instituciones primigenias. Allende la ceguera física, Saramago destroza las representaciones volátiles que componen una realidad social frágil, compungida, azarosa y lúdica. Se hace presente en el contexto democratizador cegado de egolatría, carente de la única luz que los mismos contagiados nos convidaron a mirar, sin advertir que ellos eran la más peligrosa de las contraindicaciones.

Un libro con narrativa impresionante, que impide al lector separarse de las abstracciones y simbolismos que él mismo construyó. No se puede ser la misma persona después de leerlo, so pena de quedar ciego.

Foro Querétaro Democrático 1997-2007

2007-08-21T16:15:00.001-07:00

Los días jueves 16 y viernes 17 de marzo se llevo a cabo el Foro Querétaro Democrático 1997-2007 ¿Qué pasó, dónde estamos, a dónde vamos? bajo la convocatoria de Diálogo Queretano, la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Autónoma de Querétaro y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), con el apoyo del Instituto Electoral de Querétaro. Se instalaron mesas de trabajo sobre tópicos presentes en el espectro social queretano: Política, Cultura, Periodismo y Sociedad.

Haciendo una distinción, por competencia temática, de las mesas de Cultura y Periodismo, a continuación se presenta una crónica del mosaico de ideas que fomentaron la tónica participativa de los participantes del foro.

La mesa de Cultura estuvo conformada por el historiador José Félix Zavala, el urbanista y férreo defensor del Centro Histórico, Gonzalo Ruiz Posada, el poeta queretano Luis Alberto Arellano, la ex regidora y consejera cultural panista, Natalia Carrillo y el periodista Agustín Escobar. La moderación corrió a cargo del director del INAH, delegación Querétaro, Diego Prieto.

Cada voz proclamó sus referencias y visiones personales en torno a la cultura o lo que cada quien concibe como cultura, así como su estado, su desarrollo, sus vicisitudes, sus ausencias, pero sobre todo su presencia dentro de la sociedad queretana. Abundaron las retrospectivas y los recorridos dialécticos de la cultura, más desde un punto de vista cronológico que genérico.

Natalia Carrillo, con un marcado acento institucional, sentó el contraste y obvió un recorrido de la cultura de Estado, más hacia una distinción de esfuerzo gubernamental, digno de una inserción pagada, que de un enfoque crítico. Su intervención estuvo caracterizada por referencias institucionales y menciones intermitentes de empresas culturales del sector privado.

La visión urbanista, que mereció un recorrido oral en torno a la nulidad del estado laico, fue de Ruiz Posada. El Centro Histórico, la Iglesia, la libertad de expresión, el cinismo –según el urbanista- con el que las autoridades detentan el poder, la frivolidad y la impunidad. Menciones de ejemplos donde se transgreden los principios esenciales de la convivencia y el respeto al Patrimonio Cultural.

Agustín Escobar, descontextualizado temáticamente, pero adecuado en lo que a interdisciplinareidad se refiere, habló sobre la libertad de expresión y la censura de la que ha sido víctima en el periodismo local. Ejemplos como referencia autobiográfica revelan una historia de contrastes en el oficio del periodismo, exacerbado en la última década.

José Félix Zavala tomó un rumbo categorizante de la cultura y la llamó alta cultura. Instituciones Públicas que van de la Escuela de Bellas Artes de la UAQ al Panteón de los Hombres Ilustres. Distinción que, desde su punto de vista, merece un análisis y una reflexión ulterior.

Quien acaso tuvo un acercamiento adecuado al hablar de cultura, quizás apelando fidedignamente desde su posición de artista, fue Luis Alberto Arellano, quien desglosó la otra cara de la historia cultural queretana. Pírricas designaciones, errores de gestión cultural, trámites que entorpecen la labor del artista y burocracia imponente, son algunos de los tópicos que destacó el también académico universitario.

Distinciones, señalamientos, referencias, correcciones... la mesa de Cultura tuvo de todo y casi nada culturalmente hablando. La cultura genérica e incluyente, aquella que no discrimina entre culturas populares y la alta cultura, por uso y costumbres burocráticos, no se hizo presente. Las referencias al pasado ubicaron al foro en un presente pesimista, pero la interrogativa del rumbo de la cultura no fue ni siquiera abordada. No se evocó a la cultura científica, política, educativa, artística (desde las premisas más clásicas y tradicionales hasta las propuestas contemporáneas) y multidisciplinaria. Anacronismo que beneficia al presente pero no enriquece al futuro. Salvo la voz de Arellano, le presencia de la cultura juvenil fue nula.

La mesa de periodismo, moderada por Flavio Lazos, congregó al empresario y periodista Andrés Estévez, al director del semanario católico El Observador, Jaime Septién, al periodista y académico, José Luis Álvarez Hidalgo, al periodista, Ramón Martínez de Velasco y al investigador y escritor Jorge Vargas Sánchez.

Martínez de Velasco declaró la existencia de contenido podrido en el periodismo local, actividad a la que –señaló- los oportunistas le llaman oficio. Denunció la existencia de una obstinación genérica mediática a repetir declaraciones.

Andrés Estévez destacó la ventaja que tienen los periodistas de influir en la conciencia social, ya que los medios fungen como puentes entre el acontecimiento y la sociedad. En contraste Álvarez Hidalgo aseguró que no existe periodismo en Querétaro, sólo campea el poder. Para el también artista escénico el periodismo local se ufana de establecer relaciones de poder entre el Estado y la Iglesia, esta última homologada como suprapoder fáctico.

La contribución de Jaime Septién giró en torno a una palabra, desde su punto de vista, esencial para el desarrollo del periodismo local: coherencia. Refirió que nunca se ha visto expuesto a la censura ni al linchamiento mediático por consignar constantemente un principio de coherencia entre lo que escribe y lo que le gusta escribir.

Jorge Vargas Sánchez retomó la ruta crítica iniciada por Martínez de Velasco. Destacó que el periodismo se distingue más que por una actividad profesional, por ser una dinámica burocrática de la información, emanada de la relación chocante entre el poder y los medios.

Similar a la mesa de cultura, la propuesta juvenil estuvo ausente, así como nombres de periodistas que estuvieron presentes en el proceso de transición, si bien incipiente y perfectible, concreto de la democracia queretana. No hubo fotoperiodismo, periodismo gráfico (caricatura) ni mucho menos periodismo de investigación. Tampoco hubo autoridades ni representantes de los poderes del Estado.

Reseñas con las mismas caras que, después de diez años, abren preguntas y dejan muchas dudas al viento. Tanto la cultura como el periodismo requieren de una conceptualización alterna y acorde a la realidad actual y para el futuro social del Estado. Perspectivas que se olvidaron de colocar en la comunidad estudiantil, universitaria y social la iniciativa para una reconfiguración incluyente y participativa. Necesitamos definir a la cultura y al periodismo sin adjetivos y con amplitud de inclusión, con vocación genérica, desde su primigenia función social. Una cultura para propiciar la libertad y un periodismo no como cuarto poder, sino como antipoder. Ya no por designio oficial sino por derecho inalienable, reconocido de facto por el simple hecho de ser ciudadanos, merecedores de más y mejor cultura, y de un periodismo libre y con visión democratizadora.

Desde los dignos esfuerzos editoriales donde participo (Tribuna, A Desalambrar, etc.), se extiende una felicitación y un exhorto a la comunidad académica y estudiantil, de la cual soy parte orgullosamente, para promover con ética, cultura y libertad una alternativa diferente de sociedad, más exigente y menos frívola, más dinámica y menos metódica, más culta y menos sedentaria, más libre, más universitaria, más de todos.

Tercer Festival Internacional de Danza, en voz de José Juan López Palacios

2007-08-21T16:08:00.000-07:00

“Querétaro, como punto clave para el arte y la cultura en el país, ofrece por tercera ocasión un festival de esta naturaleza, el cual está cada vez más fortalecido”, señaló el bailarín y coreógrafo José Juan López Palacios, refiriéndose al Tercer Festival Internacional de Danza Querétaro 2007, que bajo su organización y el auspicio del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA), se llevó a cabo en las instalaciones del Cineteatro Rosalio Solano, de nuestra ciudad capital, del 13 al 18 de agosto.

El también director artístico y cofundador de la compañía de danza Terramorfos, puso en relieve la trascendencia de la tercera edición del Festival, donde no solamente se ofrecen funciones para todo público, sino talleres impartidos por profesionales de talla internacional: “los profesores locales tienen la oportunidad de colocarse a la vanguardia, si no puedes ir a Nueva York a tomar un curso, los traemos para que experimenten otras formas y expresiones del arte dancístico”.

Al lado de la bailarina María Luisa Fernández, cofundadora de Terramorfos, López Palacios se encargaron de la organización y de la sede para los talleres. Respecto a la importancia que esto implica señaló: “a nuestra ciudad llegan espectáculos como el que ofrece el Ballet Rojo de Moscú, pero los bailarines no tenemos para pagar estos eventos. El Festival se ofrece sin costo, nos interesa que la gente del arte y la cultura, sin importar su disciplina, tenga acceso a espectáculos que ofertan artistas de talla internacional”.

A decir de nuestro entrevistado, el Festival Internacional de Danza, a lo largo de sus tres ediciones, ha logrado conformar un prestigio importante en el país para la comunidad artística del nuestro estado, “viene gente de Monterrey, de Aguascalientes, de Veracruz, de Morelia, el que se acerquen otros estados para asistir al Festival es importante, causa una grata sensación”.

Aclara que el Festival, por su vinculación con la Red Nacional de Festivales “no está perdido, al estar en la agenda del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, del Instituto Nacional de las Bellas Artes, obtiene más impacto nacional”. Esto representa “un estímulo para los artistas, quienes al advertir movimiento dancístico importante en nuestro estado, se vinculan para participar con nosotros”, señaló.

Al ser cuestionado sobre los objetivos del Festival, el bailarín y coreógrafo citó: “sirve como enlace para los artistas queretanos e invitados, ofrece una plaza donde presentar su trabajo donde el artista queretano tiene contacto con otra forma de ver y ejecutar la danza. Al tener contacto con ejecutantes foráneos, se enriquece nuestro trabajo. A su vez los maestros que nos visitan dan cuenta de la calidad y del nivel dancístico queretano”.

No obstante, José Juan López admitió: “también se evidencian las carencias y los pocos espacios con que contamos, de las limitantes que encuentras para las alternativas coreográficas que se ofertan, así como las dificultades que enfrentamos para realizar el Festival”. Pero el trabajo, las presentaciones, los talleres, el montaje, el vestuario, la musicalización, la iluminación, los ensayos previos...todo constituye un esfuerzo que se traduce en un buen trabajo, destacó el artista.

A pesar del desarrollo urbano que coloca a Querétaro como uno de los estados más importantes por su exacerbado crecimiento, nuestro entrevistado reconoce que es muy difícil desarrollar eventos artísticos de las dimensiones del Festival Internacional de Danza “principalmente por que la iniciativa privada no cree en la cultura, y eso provoca que tengamos que estar dependiendo siempre de IQCA y de instituciones gubernamentales, con el mínimo de recursos”.

Sin embargo, reconoció que sin el auspicio del IQCA y demás instituciones culturales del estado “no hubiéramos podido llevar a cabo el Festival, por lo cual estamos muy agradecidos”. Además subrayó la importancia de tener un compromiso compartido: “a nosotros nos toca ofrecer un espectáculo artístico de calidad, si algo sale mal es nuestra responsabilidad, todo el peso cae sobre nosotros”.

Pocas veces el Cineteatro ha presentado tal afluencia de público, como la que manifestó el primer día del Festival, lo que en principio significó un logro, a decir de José Juan López. Sin embargo, “no hay personal técnico suficiente para los teatros; con el que se cuenta carece de una visión del oficio escénico; falta definir la responsabilidad que compartimos artistas y técnicos, pero son dificultades que se tiene que sortear”.

El Tercer Festival Internacional de Danza significa para nuestro entrevistado dos experiencias, con todo y sus complicaciones. La primera es que “nos hemos dado a conocer a nivel nacional e internacional tanto con la compañía, como en conjunto con el Festival, pero lo más importante es que en esta edición, los grupos de danza actuales han olvidado su complejos. Las nuevas generaciones tienen otra idea de ver la danza, ya no desde su perspectiva sino compartiendo enfoques”.

La segunda es “que la gente asiste a ver nuestro trabajo. Ver los teatros llenos siempre es una satisfacción, que lleva al artista a decir: bailo gratis, pero que venga la gente”, concluyó.

La realidad mistificada, o cómo perder el tiempo con estilo CMLL

2007-08-21T15:40:00.000-07:00

En serio, ¿que se siente remedar a un luchador?, ¿qué sensaciones se experimentan al portar una máscara (física o metafísica) que complica la respiración y la visibilidad?, pero sobre todo ¿qué se siente someter con estilo, con tan glamourosa como inecesaria llave, a un oponente? No lo se. Ni siquiera me interesa averiguar. Pero, ciertamente, es muy divertido ver a unos chicos con muchos valor y nula vergüenza para intentarlo. De hecho, el número de místicos improvisados es mucho máyor del que imaginé, después de efectuar un censo por la por you too be. La apoteosis de la imagen, encarnada en una saeta celestial. Adrenalina de adolescente, que adolesce de coordinación motriz gruesa y psicomotricidad de preparatoriano, y la sangre hirviendo, borboteando ante el retador. La arena abre sus puertas, la lucha eterna entre el bien y el mal se reproduce hasta la eternidad. La reproducción del mito y la representación del pancrasio, donde la realidad y el sopor preparatoriano sucumben ante el desasogiego (seudo) grecorromano. Blasfemia deportiva, mientras el profesor de física fenece con las uñas clavadas al escritorio: Ley de la Inercia. Lucharán de dos a tres caídas, sin límite EN el tiempo, así, eternizados en la red, atravezando las fronteras de viento, mientras la imágen del gladiador se concilia con un grito secular: ¡Místico! Disfruten. No intenten esto en sus casas, es mejor en el patio escolar.

Los Simpsons, la película (y el puerco araña)

2007-08-05T08:43:00.000-07:00

Fabulosa. Simplemente no puedes dejar de reirte. Confieso que algunas lagrimas rodaron por mis mejillas producto de las intrépidas puntadas de Homero. Después de dieciocho años de espera -Matt Groening afirma que fue por flojera- llega este largometraje de una hora y 35 minutos de duración, en medio de derroches tecnológicos (Transformers), rateros millonarios (Ahora son Trece), y magos adolescentes (Harry Potter y la testosterona inocultable). Sería un debate inútil compararla con los episodios, ya que el arduo desarrollo guionístico de la historia, dirigida por David Silverman, está claramente construido para ser montaje cinematográfico.
La población de Springfield, particularmente aquella que se distingue por tener una participación en la serie, aparece en su integridad, así sea con pequeñas líneas del guión, o meros fotogramas anecdóticos. Lo que más satisface es que los guionistas permitieron que los personajes guiaran la historia. De esta forma encontramos a un Homero más cínico e irreverente. Los otros miembros de la familia tendrán atribuciones contrastantes a comparación de su caracterización cotidiana en la serie. Cabe destacar tres momentos históricos que subvierten a la versión original (para delicia de las buenas conciencias de la sala ahogadas en un ¡Ay!): 1)Bart se muestra desnudo, al fin, al cien por ciento; 2)Homero pinta dedo, con las dos manos; 3)Hay un beso homosexual explícito, entre dos policias.
Lo mejor es la forma en que fueron construidas las bromas. Quizás sean del mismo corte, pero la forma de presentación es magnífica. Una de mis favoritas es la incursión paradójica del Puerco Araña (con todo y musicalización al español en un trabajo coral interesante). Destaca también la manera en que son presentados, los sketch no rebasan los veinte segundos entre uno y otro.
A propósito de la música, la batuta de Hans Zimmer le da un efecto evocativamente cinematográfico, creando una atmósfera más apropiada para el desarrollo de la película. A pesar de que algunas de las voces originales quedaron ausentes, la de Homero destaca por sobre los demás doblajes y es indudablemente undigno protagonista explotado contodo su potencial característico, incluso encima de Bart.
Personalmente me dejé llevar por el trailer. Nunca imaginé que la historia sería totalmente distinta a la que había previsto. Al igual que en los epidodios, donde la línea dramática es heterogeneo y multidireccional, en la película se respeta esta estructura. Insisto, no es un episodio grandote, es una incursión fílmica auténtica.
A pesar de algunos problemas nimios de continuidad, como la casa de los Simpsons que inicialmente es quemada por la plebe, aparece integra cuando es tragada por el arenero, la cinta es inteligente y divertida. Ideal para los que somos fans por la enorme cantidad de referencias simbólicas, pero también disfrutable para niños, quienes de plano les valió madre que la película fuese clasificación B.
El poder del discurso por sobre la apuesta al derroche de tecnología; un drama crítico, lúdico, efervescente y, sobre todo, testigo de la sociedad postmoderna; bromas ácidas de un presente paralelo; de la risa al escrutinio en una sola cinta. Sin duda hay mucho Simpsons para rato, y una subyacente amenaza de secuela hacia el final de la película. ¿Será?

El Tren de las Letras: destino Héctor Cabrera

2007-08-05T08:14:00.000-07:00

El pasado viernes 2 de agosto, Héctor Cabrera presentó una breve compilación de textos a manera de lectura pública, en el marco del Tren de las Letras, donde se destacó la inevitable hermandad que existe entre el periodismo y la narrativa contemporánea. El escenario fue el lobby del Cineteatro Rosalío Solano ante un público en su mayoría joven, quienes fueron testigos de las recreaciones textuales de Cabrera.
“Dicen que el periodismo es un género menor”, subraya el también director de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem) en Querétaro, “pero la literatura de ficción está íntimamente influenciada, como el caso de otros escritores y el mío en particular, en las historia que del periodismo germinan”. Destaca como ejemplo el esfuerzo del escritor colombiano Gabriel García Márquez quien, desde su más íntimo sentimiento periodístico, funda la Fundación para un Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) para impulsar una forma distinta de narrar la realidad. Prueba de ellos son los concursos iberoamericanos de periodismo que organiza la FNPI, donde se encuentran historias escalofriantes, arguye Cabrera.
Referencia obligada para la creación literaria a partir de un hecho periodístico es A sangre fría del periodista estadounidense Truman Capote, de quien Héctor Cabrera destaca: “le importaba contar los hechos con forma diferente, manteniendo los datos fríos de la realidad periodística con los recursos narrativos de la ficción, así como el desarrollo de la historia misma. Capote desarrolló un arduo trabajo de investigación de seis años, convivió con la gente que conocía a las víctimas y a los célebres protagonistas de los asesinatos de Kansas, para poder formar su libro, a partir de una nota periodística del periódico The New York Times”.
En voz de su maquinista, Miguel Aguilar, “el Tren ya lleva alrededor de tres años con su recorrido; después de estar un tiempo en La Vieja Estación, los miércoles, ahora se presenta los jueves en la Galería Municipal”. Los vagones del Tren están conformados por un espectro heterogéneo de la literatura contemporánea. Su director refiere que el principal propósito “es dar a conocer la obra de los creadores locales, tanto narradores como poetas, en un intercambio simbólico para la conformación de una mejor sociedad, desde una visión metafórica de su realidad”. A continuación el relato corto de Héctor Cabrera llamado Julia, basado en la película Danzón:

Julia salió a la calle radiante y esplendorosa. Su vestido rojo se adaptaba con perfección a sus formas y jugaba alegre con todos los colores del cuerpo. La flor en su cabeza era el perfume ideal para la reunión esperada por quién sabe cuánto. Rubén regresaba después de muchas promesas y viajes pospuestos. Anhelaba su perfume a hombre, su virilidad, su sonrisa franca, juguetona. Miro el reloj y aceleró el paso. El barco no debía tardar. Sonrió al pensar en los danzones que bailarían en el viejo Tiboli tan cercano a ambos. Desde que él se fue no había bailado. Lo había hecho intencionalmente esperando ese momento que ahora estaba al alcance de sus manos. No reparó en los hombres que le lanzaron piropos y la comieron con los ojos. El silbido del barco sonó a lo lejos. Quiso correr, pero sus zapatillas, rojas también, protestaron de inmediato. Llegó al muelle donde los pasajeros desembarcaban, Cientos de mujeres y hombres desconocidos avanzaban y saludaban a familiares y amigos. Rubén no aparecía. Su corazón se aceleró ante la posibilidad de otro desengaño. Pronto, el muelle quedó desierto. Quería huir, desaparecer, pero la ira y la frustración la paralizaban. Fue cuando vio que dos hombres descendían muy lentamente por la rampa. Creyó reconocer al que guiaba la silla de ruedas pero no al que iba sentado en ella. Ahora lo entendía. Rubén había esperado hasta el final para ayudar al otro pobre hombre, al que le faltaban las piernas, a descender. Siempre pensando en los demás. Corrió a sus brazos, pero cuando estuvo a su alcance comprendió su error. El hombre que guiaba la silla era Marcos, el hermano de Rubén, que la miró sin querer hacerlo. Su corazón se detuvo. Rubén sentado en la silla no sonreía ni olía bonito. Sintió como se marchitaba la flor en su cabeza. Pronto el Tiboli desapareció y el vestido rojo se perdió en los laberintos del guardarropa.

Entrevista con José Manuel Alcántara

2007-08-05T08:00:00.000-07:00

El guitarrista capitalino José Manuel Alcántara presentará un mosaico de partituras contemporáneas a duo con el flautista Salvador Torre, el próximo 7 de agosto a las 8:30 en el Museo de la Ciudad, evento auspiciado por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, donde se podrán escuchar un programa con interesantes tendencias contemporáneas con obras de Toru Takemitsu, Rogelio Sosa, Hebert Vazquez, del mismo Salvador Torre, Ignacio Baca y Juan José Bárcena.

Alcántara reconoce que “es el primer concierto de música contemporánea a duo que presento”, pero además “es la primera vez que tocaremos juntos Salvador y yo en programa de dúo, lo cual es un gran placer. Consecuentemente, con este concierto se inicia una etapa de conciertos con la fórmula Alcántara-Torre.

Cinco años viviendo en Europa a través de Ámsterdam, Barcelona, Córdoba, proyectos con músicos de ciudades como Estonia, Nueva Zelanda, Bélgica, nuestro entrevistado señala que el estado del arte guitarrístico nacional y local “está lleno de contrastes; hay mucha gente muy interesante, algunos están saliendo, otros están aquí haciendo labor y hay quienes tienen sus carreras paradas por falta de trabajo”.

Entrevistado vía electrónica, José Manuel Alcántara expresa que en Querétaro “todavía hace falta que pueda nacer la guitarra como un verdadero oficio dentro del mundo de la música clásica. Hasta que no se reconozca a Querétaro desde afuera como un espacio donde se toque bien la guitarra, no se habrá pasado un limite que es muy necesario romper”. Para conseguirlo –agregó- “No se trata de decir lo que uno quiera de uno mismo, se trata de estar en la confrontación. Claro para esto primero hay que trabajar y lograr tener un nivel que te permita el reconocimiento del medio nacional. No se trata de fingir se trata de lograr”.

En torno a las diferencias entre la actividad guitarrística nacional respecto a la internacional declaró: “la diferencia es fundamentalmente estructural, tiene que ver con un plan de educación, dependiendo de los países. Existen puntos ciegos en donde hay cosas que no están funcionando y que cuando alguien quiere avanzar se tienen que detectar inmediatamente, otra manera se pierde mucho tiempo”.

Los nombres de Alfredo “el Güero Gil”, Marco Anguiano, Gonzalo Salazar, David Roussell y muchos otros aparecen en el listado de maestros de Alcántara, quien –según afirma- se encuentra en una etapa de síntesis en su carrera como guitarrista profesional. “Desde la primera vez que toqué una guitarra hasta hoy he experimentado muchos capítulos: la música popular, mis maestros, el trabajo conjunto con otros músicos, proyectos, mi residencia de cinco años en Europa. Me encuentro en un momento de mucha introspección y reflexión, en donde trato de entender lo más posible lo que quiero, lo que siento y simplemente trato de hacerlo”.

De las actividades que ha llevado a cabo en la ciudad destaca la Semana de la Guitarra Renán Cárdenas, “que consistió cinco conciertos; un primer recital completo de un exalumno Daniel de la Vega, dos conciertos colectivos de lo que se llamó Movimiento Guitarrístico Queretano, un invitado y yo”.

Deslindado socialmente del medio artístico, como él mismo se define, por el sufrimiento que esto implica, José Manuel Alcántara nos habla de sus siguientes presentaciones: “el 25 de agosto ofreceré un concierto en el Museo Regional en donde presentaré una colección de piezas de grandes improvisadores; a finales del presente mes con la compañía de teatro El Farfullero, bajo la dirección de Mauricio García Lozano, presentaremos el proyecto Unos Cuantos Piquetitos en el Festival de Música y Escena en el Centro Cultural Universitario y posiblemente en Querétaro, en el mes de septiembre”.

A pesar de no haber sido invitado a participar en el XI Festival Internacional de Guitarra Querétaro 2007, el graduado del Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México desarrolla proyectos de composición de obras para guitarra de manera constante. Por ejemplo: “me encuentro trabajando al lado del clarinetista Fernando Domínguez, generando un repertorio propio y que esperamos presentar a finales de este año, así como una gira por la Sierra Gorda en donde propongo un curso-laboratorio de improvisación”.

Al ser cuestionado sobre las implicaciones que tiene el arte guitarrístico con la sociedad y la cultura contemporánea, José Manuel Alcántara señaló: “Creo que la guitarra tiene que decirle mucho a la sociedad, creo que se le debe mucho al publico. Tenemos que considerar que para cualquiera de nosotros vernos representados en un escenario desde cualquier tipo de expresión artística es una oportunidad simbólica de reflexionar sobre nosotros mismos”.

- ¿Te consideras un músico clásico o contemporáneo?

- Contemporáneo, comprometido con la realidad y no con lo que debería
ser la realidad.

En tonalidad de New York mayor

2007-08-04T11:04:00.000-07:00

Tantas son las cosas que inspira New York City. Uno de los terrenos más prolíficos es la música: un importante número de autores y compositores se han empeñado afanosamente en rendirle un tributo musical a la ciudad de la zona zero. No con el mismo afan, el siguiente es un humilde ejercicio lúdico-musical para comprender el panorama ético y estético que inspira NY, y ¿y por qué no? adecuar un repertorio para una eventual visita. Como se puede inferir las lista es demasiado versatil, y sin embargo la mayoría de ellas, guardando sus proporciones, tienen un significado indispensable para la carrera musical de los intérpretes y compositores aquí citados o simplemente quieren llevar agua a su molino utilizando NY como referente semiótico. Dejo un indicio de lista de manera abierta -no está en orden de importancia- para contribuciones futuras. El único requisito es que el leimotiv sea New York City. Vale¡

1. New York, New York (por si una no es suficiente) de Frank "Blue eyes" Sinatra. Ya incluye la ecléctica y etílica versión en español de José José (Cascada de luz...)
2. New York State of Mind, de afamado Billy "Sugar daddy" Joel. Muy buena.
3. No hay marcha en Nueva York, de las pocas de develan la otra NY, de Mecano.
4. NYC, evocadora y profunda pieza de Interpol.
5. New York City Boy, de los Pet Shop Boys, para los nostálgicos noventa.
6. Englishman in New York, de Sting, ¡oro puro!
7. Lluvia en Nueva York de Amanda Miguel (¿?)
8. New York City Music, dance jam de Bob Sinclair
9. Luces de Nueva York, o la Historia de una cabaretera que tenía alas de mariposa equivocada, de la Sonora Santanera. Salud.
10. Boy from New York City, de The Manhattan Transfer.
Continuará...

Transbordador ruta 69

2007-08-03T21:34:00.000-07:00

"¡Cómo no va a tener cambio?" pensó. Comenzaba otro miércoles. Recuerda que hace algunos años no había tantos coches. Ahora hay demasiados; tantos autos y él en camión. Record, Record, Record... "¿Cuánto gana un futbolista?", "Gana viejas, pendejo". Se llamaba Capiro, así nomás, sin apellidos. En su vida ya había disparado una pistola, sabía matar un puerco para hacer carnitas y había votado por Madrazo. Su padre lo acompañaba a donde quiera que iba, a pesar de llevar quince años de muerto. Se sabía muchas leyendas de fantasmas, mismas que compartía en noches de viernes con sus tres hijos. También se sabía toda la alineación de la selección nacional, la tabla porcentual de los equipos que estaban en peligro de descender y lo que había cobrado el Nery por irse pa' Europa.
Record, Record, Record... pasaban minutos traducidos en horas antes de perder la concentración en su lectura. /Ya llegamos, bájate/Ahí fue donde operaron a mi tío Juan/¿Bueno? ¿Qué pasó?/ Ya despiertate, Miguel, ya vamos a llegar/ Ya llegamos, bájate/ Y vámonos con esta bonita canción para mis amigas del Salitre.
Solamente le quedaban doscientos pesos libres para terminar la semana. Considerando que era miércoles, apenas le iba alcanzar para acabalar la quincena. Capiro hizo un gesto de enfado cuando definitivamente tuvo que constestar su celular: "¿Qué pasó?... aquí en el Seguro... no, ya no me alcanzó... sale... pero no te vayas a ir... pérame... sí, yo también te quiero ver".
Ese mismo día, pero a las once de la noche, Capiro olvidó el Record en un cuarto del motel Vegas. Su esposa tuvo que llamarle a un vecino para que le ayudara a matar una rata que se le había metido a su casa; Esteban, el hijo más pequeño de Capiro, se había convencido de que quería ser luchador; Jorge, el mediano, cumpliría quince años dentro de ocho días; Mario, el mayor, había conseguido trabajo de chofer de taxibus; el Nery se fue a Ucrania por no menos de 2.5 millones de dólares anuales; Don Julio, el padre de Capiro, hubiese preferido no haber llorado como todas las noches para no prolongar más su muerte, pero no lo pudo evitar. Cuando hubo terminado, Capiro estaba hecho un demonio. Se le había pasado el último camión ruta 69. escuchó un susurro, más parecido a un gemido, detrás de él. No se asustó. Se fue a su casa caminando.

¿Cuánto traes, cabrón?

2007-08-03T09:36:00.001-07:00

"No puedo llevarte hasta dentro porque tengo que entregar". No tenía opción. Bajé del taxi, no con buena manera, después de pagar 35 pesos a un chofer imberbe y parco. Estaba a cinco cuadras de mi casa. Las doce y media de la noche y algunos resabios de masa peatonaban entre las calles vacías. Aún no pasaba el camión recolector de basura. "¡Qué culero es el duranguense!", pensé respecto a la música del taxi.
La esquina que forman las calles de Ingenieros y Avenida Cimatario está custodiada por un templo católico, "Parroquía del Misterio de Pentecostés", estructura de concreto y madera prematuramente en vías de descomposición, circundada por malla ciclónica. De noche parece más el ala poniente de un penal de máxima seguridad. Si no fuera por la cruz.
Manchas de grasa, papeles de tacos, bolsitas de gelatina. La acera del lado poniente coleccionaba las primeras reliquias. "Mañana tenía unas notas por entregar, pero no podía darme el lujo de desvelarme otra vez frente al monitor", pensaba mientras caminaba a casa.
Alguien me dijo que la ciudad se mantenía segura a causa de pagar un precio facistoide y represor. Si bien algunos tenían que ser sacrificados, bien valía la pena "madrear" a unos para proteger y condicionar a los demás. Mensaje cínico, claro y contundente, con carácter instituticional de la seguridad pública contemporánea.
"¡Párate cabrón". Una patrulla ciega, sin luces, que circulaba sobre el otro carril, de la acera de la derecha, eructó ese grito garraspeado. Lo ignoré. Siete pasos. La patrulla ya estaba en frente de mi. Observé que había quedado mal estacionada. Dos oficiales de contrastante apariencia -uno alto, viejo, blanco, pelo cano y delgado; el otro bajo de estatura, moreno, pelo encrispado y chicle. "¿Cuánto traes, cabrón?", me increparon. No supe qué decir. Estaba pensando en darles cincuenta pesos que estaban destinados para comprar revistas. Sentí un dolor muy agudo, de judo policial, en mi brazo derecho. La mano del oficial moreno estaba destrozando mi articulación. Mi cara sentía el frío de la malla ciclónica del templo. Las luces de la calle estaban apagadas. Un perro ladraba como a cien metros de donde estábamos.
Mi billetera se atoró de milagro con los botones del bolsillo trasero; me hubiese dolido más perder las tarjetas y credenciales que los ciento cincuenta pesos. Mi mochila cayó al piso después de que me empujaron contra la malla ciclónica. ¿Fueron dos o tres minutos? La patrulla arrancó con un chirrido de llantas. "¡Cuídate, putito!" El bosillo derecho aún contenía las monedas que me dio de cambio el taxista. Pero el izquierdo no portaba más el celular Motorola C261 de $890 que había adquirido hace un año en el Oxxo que está enfrente del templo, cruzando Avenida Cimatario.
Se me secó la boca. Sentí como si sudara mierda y cagara sangre. Ahora yo había pagado mi cuota de seguridad ciudadana. Respiré. Me habían visitado los delegados municipales para invitarme a hacer mi depósito. Ahora, con mi contribución, la ciudad va a estar más segura, pensé. A veinte metros venían caminando dos pandilleros de Los Memos, banda anacrónica punketa de la colonia. Más que miedo sentí un sentimiento fraternal con solo verlos. A ellos les ladraba aquel perro dos o tres minutos antes.
"Fotografía: "Coincidencias", Enrique Servín. De la serie "Árboles Humanos".

Music in the mood

2007-08-02T21:48:00.000-07:00

Los estados de ánimos determinan, para bien o para mal, el tipo de música que queremos escuchar. Si bien a un nivel de delectación podemos utilizar la música como mero impulsor de nuestras actividades, como evocación de recuerdos, para construir nuestro propio soudtrack o simplemente como mero y llano entretenimiento; ahora también podemos ajustarla a nuestro humor, es decir, a nuestra propia tonalidad. Puedes acercarte a una plataforma interesante que sin duda determinará desde nuestra manera de escoger nuestra música predilecta, hasta los sistemas de reproducción de audio, en el sentido de la personalización total. Interesante.

Recuerdo de Bergman

2007-07-31T17:31:00.000-07:00

Sería imprudente y culposo decir que existen obras trangresoras. El arte es una acción trasngresora per se. Prueba fehaciente de ello fue el sello del séptimo arte de Ingmar Berman, influenciable director sueco fallecido ayer a los 89 años de edad en la isla Farö, en el mar Báltico, lugar donde estableció su residencia en sus últimos años. Según Bergman: "el cine y el teatro son trabajos muy eróticos; hacer películas es un instinto, una necesidad, como comer, beber o amar". Un sello del Séptimo Arte. Requiem.

Culmina la primera temporada de La importancia de llamarse Ernesto.

2007-07-30T21:27:00.000-07:00

En el Museo de la Ciudad culminó el jueves 26 de julio la primera temporada de La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde, adaptación efectiva y particular de la compañía teatral “Sabandijas del Palacio”, grupo de artistas escénicos convocados por su directora Mariana Hartasánchez, que evocó desde carcajadas, moralejas inminentes, hasta consignas éticas al público asistente.

Desde el mes de abril, La importancia de llamarse Ernesto dirigida a un público heterogéneo, tanto cercanos a la dramaturgia clásica como a los delectantes del teatro joven emergente, se desarrolló en uno de los espacios del Museo en la planta baja, bajo un sutil montaje y una interesante disposición paralela y dual de la cuarta pared.

El grupo de teatro “Sabandijas del Palacio” presentó en la parte actoral a Leonardo Cabrera (Algernon Moncrieff), Miguel Loyola (Lane y Merriman, ambos mayordomos), Bernardo Lira (Juan Worthing), Dulce Mariel Gutiérrez (Gundelinda Fairfax), Carlota Dessire (Cecilia Cardew), el experimentado René Barragán (Reverendo Casulla) y la misma Mariana Hartasánchez (Lady Bracknell) quien también desarrolló el trabajo de dirección.

Una obra con un título poderoso y referencia histórica inmediata del teatro clásico romántico podría suponer una garantía gratuita de éxito. La obra más exitosa de Oscar Wilde, sin embargo, exige trasladar la visión ética y social de los personajes y su discurso al contexto del espectador contemporáneo. Un enredo amoroso plagado de anacronismos y de confusión por la identidad de los personajes masculinos deviene en una comedia perfecta. El reto es tomado por Hartasánchez, presentando una producción modesta en recursos pero rica en diseños, simbolismos, un vestuario puntual y un juego lúdico-estético atractivo.

Es de resaltar el trabajo multinstrumental del maestro Fernando Montes de Oca, encargado de la improvisación musical y de las piezas a manera de score. Tanro ejecuta la guitarra, como flauta, violín, canto, y uno que otro cameo diminuto. La propia Hartasánchez se muestra como una contralto dulce que congenia con el agudo personaje de Lady Bracknell.

Las restricciones del lenguaje delatan una problemática de traducción: el elemento cómico de la obra radica semánticamente y fonéticamente en la palabra Earnest, que quiere decir serio, formal, y Ernest, el nombre de Ernesto. No obstante, la frivolidad y la emotividad que le imprimen los actores a los personajes masculinos, Moncrieff y Worthing, encarnan una doble personalidad lúdica y con intereses amorosos efervescentes.

En el montaje se juega con la simetría del escenario. La imaginación explota cuando los actores trasgreden la cuarta pared e incursionan en la dinámica de la obra: personajes que se asoman al público y delatan verdadera personalidad ante el espectador testigo, confidente y delator. Un marco rectangular dorado pende de las bambalinas y hace las veces de espejo y de ventana. Dos sillas de herrería moderna contrastan en color sobre el fondo blanco de tela y en estética con el discurso, la temporalidad y el vestuario de los personajes.

Un interesante duelo actoral se lleva a cabo hacia el último acto cuando Gundelinda y Cecilia desentrañan el fraude nominal de sus dos pretendientes. Enfundadas en sus personajes, Dulce Mariel Gutiérrez y Alejandra Chacón, respectivamente, tejen un discurso morfológico y cómico rico en expresividad. Raya intencionalmente en lo frívolo, lo que incrementa al trabajo escénico una exigencia mayor de doble filo. Pero el discurso del texto se mantiene intacto mientras los personajes se destrozan.

Aunado a la originalidad y dinámica de los diálogos de origen wildeano, Hartasánchez realizó un gran número de adecuaciones de temporalidad y contexto lingüístico que surtieron efecto. Incluso hay referencias inmediatas a la misma Universidad Autónoma de Querétaro, lo que provoca una plena identificación con el público y los actores.

Incursiones coreográficas de jazz hacia el final de la obra permiten que Hartasánchez cierre a manera de musical, ya no como una parodia a Broadway, sino como una experimentación escénica más cercana a la interdisciplina artística. En realidad, se nota que los actores y la misma Hartasánchez, con nombres de frecuente aparición en dramaturgias intensas y ácidas, tomaron un respiro y decidieron divertirse consigo mismos y con el público.

Algunas dificultades de isóptica, principalmente para la parte alta de los espectadores, quienes tenían que levantarse para mirar a los actores en el piso y cerca de las gradas, y al momento de la admisión, más por la cantidad de gente que quería ver la obra que por problemas de acondicionamiento, la adaptación de La importancia de llamarse Ernesto a cargo del grupo de teatro “Las Sabandijas de Palacio” merece una temporada más para gusto del público que quiera refrescarse con teatro divertido, inteligente e ingenioso.

Ya se anuncia una segunda temporada para el mes de agosto. Se prevé también el estreno de una nueva obra para el día 8 del mismo mes. El grupo de Hartasánchez, por lo pronto, ya ha logrado definir un discurso actoral y dramatúrgico propio, lleno de intensidad y apegado a la exploración de la creatividad escénica contemporánea.

Fragmentos del Contrataller.

2007-07-29T10:05:00.001-07:00

1. Escribir es un proceso de enceguecimiento del autor, quien es guiado por los ojos de sus creaciones.
2. Los sueños son los ensayos de la muerte; escribir es un ensayo que desafía a la muerte.
3. No importa lo que cuentes, sino la forma en que lo cuentes.
4. Tu público comienza a reconocerse en el contacto con tus obras. Tu obligación es conmoverlo.
5. La academía y el entretenimiento están moribundos.
6. La rigidez de los márgenes impide las buenas influencias, de allí que los talleres de literatura sean obsoletos.
7. Un buen escritor es el que hace lo que le dicen; el mal escritor es el que impone su decir.
8. La poesía no solamente está en el lenguaje sino en la situación.
9. Never tell, never complain. Mientras te quejas podrías estar escribiendo o leyendo algo.
10. Hagas lo que hagas que sea inteligente, creativo y sencillo.

Centro Histérico en potencia (tercera y última)

2007-07-29T09:55:00.000-07:00

En contraparte, Agustín Escobar declara que “el reglamento del INAH establece que la persona en quien recaerá el poder jurídico para firmar licencias, criterios y dictámenes para la modificación o restauración de monumentos o edificios, es el Delegado o Director de ésta instancia en su ramo federal o estatal. Sin embargo eso ha sido letra muerta en la administración del antropólogo Diego Prieto Hernández al frente del INAH Querétaro. Más bien ha sido comparsa de los intereses de los poderosos y los gobiernos estatal y municipal que le han dado prioridad al turismo sin importarles pasar por encima de los reglamentos de la UNESCO, uno de ellos, el referente a que las llamadas ciudades Patrimonio de la Humanidad deben conservar culturalmente los usos y costumbres del lugar”.

De manera contrastante con lo afirmado por el director del INAH, en la construcción del Gran Hotel, propiedad de la influyente familia Torreslanda, que cuenta con la autorización 0703/05 y 190, del municipio y el INAH respectivamente, citada por Ruiz Posada, Portal Bueno, de Plaza de la Constitución, “se perdió porque Diego Prieto no hizo nada y el presidente municipal en turno tampoco, los particulares del gran hotel lo quitaron, era de los pocos portales que quedan en esta área, ahora está en manos de Harrys bar y del Gran Hotel”, asegura el urbanista.

Como este, otros inmuebles situados en el perímetro A (el principal de tres perímetros que acotan el área de protección de la Zona) corren el mismo riesgo, como el caso del inmueble marcado con el número 13 en la avenida Benito Juárez se planea la construcción de un restaurant de la cadena Sanborns.

Diego Prieto reconoce que cuando la mancha urbana cede ante el sector comercial, el Centro Histórico “empieza a vivir situaciones de descomposición social donde eventualmente puede incrementar la delincuencia”, pero esto no implica –según Prieto- que la capital del estado tenga que prescindir de los usos comerciales que ahí se ofertan, “en primer lugar, porque los mismos habitantes del Centro necesitan hacer adquisiciones y compras, por lo tanto necesitan un determinado número de servicios; en segundo lugar, porque esos mismos habitantes requieren de esos servicios; y en tercer lugar, hay otros usos que un Centro Histórico debe tener, entre ellos el uso simbólico urbano, social y cultural”.

- ¿El INAH ha tenido que ceder ante las presiones que usted se refiere?

- No hablaríamos de ceder porque el INAH no está en plan de ceder. El INAH está en el plan de hacer valer la legislación en lo que nos corresponde.

Sobre el futuro del Centro Histórico, Ruiz Posada aventura una realidad: “Todos están montados en el negocio mientras la zona monumental está desprotegida. Hay un famoso Instituto Municipal de Planeación (IMPLAN) que supuestamente está haciendo proyectos de planeación, pero yo veo tiempos muy difíciles para la zona monumental, o sea, si se tiene un funcionario como Diego Prieto, si Jaime Font, director de Sitios y Monumentos Históricos de la Secretaría de Desarrollo Sustentable, nada más está en la parafernalia de la restauración y los dineros, si el presidente municipal de Querétaro, Manuel González Valle, de esto no entiende y pone a un patán e ignorante, venido de chilangolandia (sic), que se llama Vicente Suárez de Miguel (director del IMPLAN Querétaro) , que no entiende que el maquillaje, como los macetones de plástico de colocaron en las principales plazas del perímetro A, no sirve para la zona monumental, lo que se necesitan son obras consistentes, repito, el drenaje y otras atribuciones que se tendrán que hacer con las vialidades. Yo creo que el deterioró seguirá creciendo como hasta ahora”, concluyó.

En la fotografía la esquina de Juárez y Pino Suárez. El Oxxo que se observa fue construido en tiempo record: ¡un mes! Enfrente, cruzando Plaza de la Constitución, se encuentra otro Oxxo, por si este no fuera suficiente.

Diablo Guardián, de Xavier Velasco.

2007-07-29T09:28:00.000-07:00

Se ha escrito mucho en torno al Diablo Guardián de Xavier Velasco, y sin embargo siempre queda más por decir. Acreedor al premio Alfaguara 2003, Velasco narra y se explaya a través de sus personajes: Violetta, Pig, Nefastófeles, Saks (quien tambián funge como personaje diegético). No niega que su narración haya estado permeada desde el principio de un tufo autobiográfico evocador y vanguardista. De hecho pertenece a una tradición literaria formal y mexicana, con altos vuelos.
La novela en sí sabe aprovecharse del lector, las sorpresas quizás son predecibles y coquetean con una inminente parabola cinematográfica gringa, pero se consagra en el momento en que Velasco le pierde el respeto a los personajes y los deja decidir el eje dramático. Se nota en el recorrido de la lectura que el personaje decide por el escritor, cobra vida y abre la polémica: ¿es ineluctable que la obra trascienda al autor? o por el contrario ¿son instituciones inseparables y concebidas una de la otra? Un amigo sociólogo me comentaba que Xavier Velasco no es una persona que le de gusto conocer, "me cae muy mal porque es un tipo chocante, arrogante y de la clase intelectualoide mexicana que se creen con atribuciones deidificantes". Sin embargo no conoce la obra de Velasco. Considero que la obra está separada del creador, tiene vida propia y no podemos definir a la obra a partir de su autor. Diablo Guardián tiene mucho de eso, es inegable la petulancia -que me da igual- de Velasco cuando tiene oportunidad de compartir espacios televisivos con Nicolás Alvarado, et. alt. La obra entonces cobra dimensión y se desprende del autor, cobra vida propia y se hace patente en la realidad paralela del universo creativo. La muerte del autor y la inmortalidad de la obra, Violetta desecha con sus mismos recursos a su autor. Es interesante imaginar en qué categoría colocaría Violetta al mismo Xavier Velasco.
Está de más recomendar la obra. Narrativa con efervecencia violenta, predecible por momentos y con chistes algo anacrónicos pero efectivos -la historia se desarrolla en la década de los noventa, interesante disposición narrativa, hilo dramático eficiente que respeta la integridad del juicio del lector, un final rosa que contrasta con la acidez de su protagonista, pero que favorablemente contrasta sin perder verosimilitud. Leerla implica poner indefinidamente un cd de Iggy Pop y esperar encontrarse con casualidades generacionales propias ¿aja?

Centro Histérico en potencia (segunda parte)

2007-07-29T09:22:00.000-07:00

En contraste con el Centro Histórico de hace diez años, el actual ya no es destino definitivo, sino más bien ruta de paso, según afirma Ruiz Posada: “En primera la zona está vapuleada por un fenómeno que se llama tránsito de lanzadera: personas que tienen que cruzar la zona monumental sin tener un origen ni destino en el viaje; en segunda, la zona está asfixiada por los vehículos, muchos burócratas y trabajadores acuden a esta área y dejan su máquina ahí, por ocho o diez horas; por último, en el perímetro A de la zona de monumentos no debería haber estacionamientos, pero tenemos el caso del estacionamiento de Plaza de la Constitución, que el entonces presidente municipal, Armando Rivera Castillejos, concesionó a un particular en vez de haberlo conservado para el municipio”.

Tanto Ruiz Posada como Escobar Ledesma coinciden en que el principal culpable, además de las erradas políticas del Gobierno Municipal, es el director del Centro INAH Querétaro, el antropólogo Diego Prieto.

Cuestionado en torno a la responsabilidad que comparte con el gobierno municipal de Querétaro, Diego Prieto asegura que tanto el INAH como el municipio “tienen un papel muy particular para la aplicación de la convención internacional” encargada de la protección del patrimonio mundial. Reconoce que se han recibido recomendaciones respecto a la protección del patrimonio de la humanidad, por ejemplo, la incorporación del cableado, así como la prestación de servicios en la vía pública.

Para contribuir al crecimiento y a la modernización del Centro Histórico. Diego Prieto asevera que es necesaria “una articulación institucional para prever las ventajas y los riesgos que enfrenta el Centro Histórico, que pueden afectar los bienes del patrimonio”. Asegura que “el corazón de la ciudad crece a ritmos muy acelerado, por lo tanto recibe una serie de presiones de carácter económico, social, urbanístico, inmobiliario, turístico y también de orden simbólico” las cuales son confrontadas por el mismo INAH.

A propósito de las concesiones que otorga el INAH para uso de suelo comercial en la Zona de Monumentos del Centro Histórico, Ruiz Posada señala “A partir de 1995 en que Diego Prieto Hernández llega a la dirección del Centro Regional INAH Querétaro, la ciudad padece otro problema puesto que Diego autoriza todo. La destrucción de la ciudad nadie la para. Lo más reciente es la demolición de la casona que durante décadas albergó a una vecindad, en Pino Suárez 11 del Centro Histórico en la que, bajo la justificación de “Regularización y ampliación” se está construyendo un hotel, dejando únicamente la fachada. La obra está avalada con las licencias 0703/05 y 190, del municipio y el INAH respectivamente. El predio no cuenta con el cambio de uso de suelo y los vecinos, quienes no fueron tomados en cuenta por ninguna autoridad, temen que el nuevo hotel les genere más problemas de los que ya existen porque el Ayuntamiento no hace estacionamientos públicos y las calles del centro se han vuelto intransitables. El cambio de uso de suelo está a la disposición del mejor postor”.

Cuestionado a partir de las observaciones de Ruiz Posada, Diego Prieto niega cualquier tipo de ingerencia en la entrega de licencias que cita el urbanista “no se de qué concesiones se refiere, el INAH no tiene absolutamente ninguna atribución para la entrega de licencias de uso comercial. Otorga licencias de autorizaciones para la realización de obras de restauración, de adecuación, de conservación de los inmuebles, siempre tomando en cuenta las recomendaciones de las instituciones competentes”.

En la fotografía Diego Prieto, director del INAH en Querétaro.

Los compañeros de viaje.

2007-07-28T07:44:00.000-07:00

Para Gustavo Ott, Lucho y la gente que va conmigo.

O lo que en palabras de un célebre dramaturgo venezolano sería el poder de la influencia. Nos proporcionó a su tiempo una palabra casi imposible de pronunciar para los que no hablamos alemán: wahlverwandshaft, que lejos de su etimología estricta remite directamente a los compañeros de viaje. Todo proceso creativo -decía Francisco Núñez- implica necesariamente una parte eminentemente emanada de la influencia. Cada fragmento de nuestra creación estará condenado a llevar un atisbo de esa influencia que con o sin intención hemos elegido para que nos acompañe en el sendero de la creatividad y la imaginación. Palabras, escalas, barridos, saltos, estructuras... sin importar la disciplina, todo al final de cuentas se permeará de esa influencia, una manera humilde e inteligente de concebir a un maestro. La influencia no implica copiar, sin embargo. Es un compromiso ético del creador consigo mismo y con su obra que le apuesta a la dramática propia, sea en la disciplina que sea. La influencia implica conocimiento propio, atrevimiento por conocer la vida de otros con los otros, la investigación para la obtención de información que generen recursos y la vuelta a los grandes maestros, que ya implica de por sí un reto restrospectivo moral y ético, ya no simplemente por una llana necesidad creativa, sino por el carácter intríseco que tiene la historia sobre la obra del creador.
La palabra originalidad generalmente suele utilizarse en los contextos de unicidad y vanguardia; al contrario, la originalidad es la necesidad imperiosa de regresar al origen (se obvia desde la raiz) y despachar nuestras virtudes a la confrontación de la historia, lejos del canon cataloguista. Por lo tanto, la influencia de un inminente encuentro con la historia no impide la originalida, te lleva a ella. Los maestros -decía Ott- están peleándose por ti cada vez que entras a la librería, por ejemplo: ¡Hey, acá estoy, llévame contigo! ¡Hey, tengo algo que contarte!
Aquella mañana del 20 de julio Gustva Ott fue tajante: ¡Vayan y encuentren maestros! ellos serán sus compañeros de viaje. A mí no me gusta viajar ligero por "la vida" (alguien sabrá entender esas comillas), cargo con mis compañeros de viaje a todas partes. Desde aquel 20 de julio ya necesitamos, mis maestros y yo, andar de la mano.
Fotografía: Piet Corr "Allan Moore con máscara 2001"

Los Caprichos de la Carne se revelan

2007-07-20T08:17:00.000-07:00

“Los Caprichos de la Carne”, obra teatral escrita y dirigida por Martín Zapata, “se gestó a partir de un trabajo conjunto entre el dramaturgo y actores los actores, quienes a manera de colectivo, desarrollan el resultado que se produce en escena”. Dicha obra forma parte de la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia 2007, evento auspiciado por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.
Desde los linderos de la creación, Zapata reconoce la ruta creativa que persigue “Los Caprichos de la Carne”: “escribo desde un inicio para la puesta en escena, para explícitamente dirigir la obra”, permeando el montaje con un gran conocimiento de la obra por parte de Zapata, recurso utilizado por lo menos por tres dramaturgos más.
“Los Caprichos de la Carne”, obra dimensionada en tres actos, consigue el acercamiento saturado a polaridades emocionales, aparentemente contradictorias e irreconciliables: lujuria y odio, pasión y rencor, celos y deseo… el dramaturgo, consecuentemente, insinúa una obsesiva fijación por el amor triangular, sin embargo, reconoce que “su gestación se dio de manera casual, a partir de la trama”, por lo tanto no se presenta la temática del amor triangular premeditadamente.
“¿Y cómo fue la primera vez?”, frase detonante de un proceso catártico que pasa de boca en boca de cada uno de los personajes, donde el trabajo de dirección del mismo Martín Zapata desde el escenario la define como “una obra que tiene como sentido rector la catarsis”, a partir de la correlación ácida y autodestructiva que desborda la actuación.
La última entrega del también autor de El insólito caso del Señor Morton, planeta una especulación tridimensional: la estética, la patología y la imaginación, que a la vez permea el amor melancólico y vulgar en el drama: “no fue una cuestión conciente, creo que desde que comienzo a escribir y la obra se dirige hacia ese destino, no me propuse hacer una relación entre la estética y la pornografía, más bien la obra se dio así”.
Tres actores con escenas avivadas, impregnadas con un instinto vanguardista latente desde la cuarta pared, desbocan desnudos agresivos y violencia carnal, todo como consecuencia oportuna que se permitió el dramaturgo guerrerense: “no dejé censurarme a mí mismo, la obra siguió un rumbo y degeneró en esto”.
Sin ánimos de pretender una reflexión intermitente en torno a la elegante provocación que espeta “Los Capricho de la Carne”, la tónica escénica la marca el trabajo de resonancia creativa entre actores y directores. Según Zapata: “los actores son alumnos míos desde hace muchos años, después nos hemos hecho amigos antes de trabajar la obra, pero esta siempre fue creada en resonancia y constante comunicación con ellos”.
Posterior a la presentación del montaje y en plena postura autocrítica, Martín Zapata reconoce que “falta fortalecer elementos como el texto, sin embargo no concibo el montaje como la etapa final, sino más bien como el principio de una segunda etapa de maduración”.
Apostando a una sensibilidad actoral lacónica, pero desinhibida y febril por parte de los actores Manuel Domínguez, Zazyl Anguiano, Horacio Trujillo y Paula Comadurán, nuestro entrevistado declara: “lo que nos propusimos fue detonar profundidad emocional con el menor recurso externo, eso generará emociones más profundas y expresión interior de los actores”.
Al respecto, el actor Manuel Domínguez, interprete de Ernesto, manifiesta su satisfacción por “la recepción amplia por parte del público, siendo esto un acierto de la obra que coquetea con la pornografía pero no colisiona con lo efímero de esta”.
Asimismo, hablando desde la vertiente escénica, Domínguez destaca el perfil de los personajes: “la psicología, sus arraigados problemas personales, el sexo ascéptico para calmar distintas inquietudes”. Por lo tanto –arguye Domínguez- la obra de Zapata es demandante para el actor, exige “poner mucha atención por lo peligrosa que es, el texto tiene una estridencia tremenda, por lo tanto actoralmente requiere de un carácter preciso para no manchar más el texto”, concluyó.
* Fotografía: Antonio Gesmundo, "Elena no. 1"

Fernando de Ita, desde la mesa de análisis.

2007-07-18T23:35:00.000-07:00

Sedente y desde su denotado sentido analítico de la expresión teatral contemporánea, Fernando de Ita, crítico, director y dramaturgo mexicano, se hace presente en la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia 2007, evento auspiciado por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes, desde la Mesa de Análisis donde predomina la intención retrospectiva de “hacer un balance de estos cinco años de Muestra a través de las obras y dramaturgos que están presentándose”.

Destaca el raudal de autores que han circulado por la Muestra, desde su fundación hasta su quinta edición, y la inminente configuración de un movimiento teatral generativo de la misma: “aquí se han presentado veintinueve dramaturgos en un lustro, aunque este periodo de tiempo es muy escueto para determinar un movimiento, creo que sí podemos intentar un mínimo balance sobre las aportaciones, carencias y propuestas de la tipificada joven dramaturgia”.

Periodista, escritor y colaborador en publicaciones especializadas en dramaturgia, De Ita abstrae el carácter generalizado que distingue a la generación de dramaturgos que se presentan en la Muestra: “los jóvenes dramaturgos se sienten de generación espontánea pero no lo son, porque aunque nieguen tener cualquier lazo con una tradición en la dramaturgia, pertenecen a ella”.

Ante el impulso creativo teatral y dramático que impone la Muestra Nacional de Joven Dramaturgia, el autor de La Soledad destaca indicios que distinguen al conjunto de obras y autores pertenecientes a dicho movimiento, no sin antes recordar que “hay cerca de cincuenta nuevos dramaturgos escribiendo, de menos de treinta y cinco años, según la edad que los usos y costumbres determinan la cualidad de joven”. Entre esos indicios distingue: “viven de las becas y de los premios, han ganado todos los que existen, tienen bequitis aguda”. Y acota: “es benéfico constatar que el Estado apoya efectivamente, pero se trata de ver hasta qué punto esta costumbre los está deformando”.

Lejos de una creencia incondicional decimonónica que aluda “al artista puro, capaz de morirse de hambre con tal de hacer su obra”, Fernando de Ita aventura una paradoja: “habría que preguntarse si por el hecho de ser becario permanente ves minada tu libertad de acción y de crítica. Me temo que muchas cosas que no se dicen ni se hacen por parte de los dramaturgos jóvenes es precisamente porque todos están un poco comprometidos con el estímulo”.

Una visión ulterior, según De Ita, nos permite dilucidar el rumbo del teatro generado por la Muestra. Sugiere: “este movimiento dramatúrgico se dirige hacia un cambio temático y formal. Para algunos críticos, de los cuales yo me excluyo, la experimentación es más formal que de fondo”. Al respecto ejemplifica la existencia de un conflicto: “a partir de Edgar Chías, que construye narraturgia, o sea, un teatro narrado, en donde ya no hay acotaciones, que no acaba de ser ni narración ni teatro, se vislumbra un terreno peligroso”. No obstante destaca que la dramaturgia joven está avanzando, “se está asomando el teatro del siglo veintiuno, todavía de manera nebulosa, pero con una intención de cambiar las formas y los contenidos, y sobre todo que los autores desarrollen un sentido dramático y confianza en sí mismos”.

Paralelamente, Fernando De Ita atisba debilidades presentes en la generalidad de la joven dramaturgia. Debilidades que van desde “una falta de lectura tenaz en cuanto al teatro”, a causa de –según el crítico- una inspiración más cercana a la composición virtual, como el cine o la Internet, que a la tradición literaria, “lo cual sigue siendo una pena, porque a mi juicio la lectura sigue siendo la espina dorsal de la formación intelectual del ser”.

Entre otras inconsistencias señala: “no hay un estilo definido, el rompimiento de géneros no ha cristalizado en uno nuevo, todo es pastiche, son sobreposiciones de estilos y géneros. Pero están buscando, y en ese proceso se permiten esas debilidades”.

Reflexionando no solamente sobre el estado del arte de la dramaturgia, sino también sobre el análisis, el estudio formal y la crítica, el autor de La enfermedad del amor confirma que “, es uno de los puntos flacos de nuestro teatro”. Aun con todas las deficiencias que tiene, como la falta de profesionalismo predominante el casi toda la República, existe talento, movimiento de grupos, propuestas, “pero en el análisis estamos en pañales”, sentenció nuestro entrevistado. Y abundó: “la prensa nacional, local y regional es muy pobre en ideas, espacios y propuestas que alimenten el análisis y la crítica, aunado a la falta de estímulos profesionales decentes y la ausencia de una especificidad crítica en artes escénicas”.

Crítico y dramaturgo, en la bifurcación de un discurso creativo y analítico, Fernando De Ita define su oficio como “una mala pasión, por eso habemos tan pocos”.

Dentro del recorrido dramatúrgico de la Muestra no distingue una obra de su predilección: “todos esperábamos con mucho entusiasmo Civilización, de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, por ser la cabeza de grupo dado su adelanto respecto a sus similares, el más propositivo, publicado y traducido. Pero hay otras que llaman mi interés como Disforia de Noé Morales, El Libro de Dante, de Luis Ayhllón, No tocar de Enrique Olmos, pero estoy ansioso por ver Apocalipsis I de Abelardo Rodríguez, porque generalmente la gente contestataria de izquierda tiene un discurso combativo muy bien estructurado, pero cuando suben al escenario no cumplen con las expectativas; espero me equivoque”, concluyó.

Cuando la academia murió, Gustavo Ott estaba ahí

2007-07-17T23:40:00.000-07:00

“No sólo se trata de un taller breve, sino de un contrataller, la idea es desmontar las reglas que durante mucho tiempo hemos establecido como inamovibles en la creación dramática”, así definió Gustavo Ott el taller de dramaturgia que impartirá del 18 al 20 de julio de 10 a 14 horas, dentro del marco de la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia, en las instalaciones del Museo de la Ciudad, bajo el auspicio del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.

La intención primordial que destaca el autor de Pavlov, dos segundos antes del crimen, obra acreedora a premios en los Festivales Karzinbarcika (Hungría) y Liverpool (Canadá), es tratar de “concentrarnos más en el hecho de la libertad creativa, quiero entusiasmar a los participantes, romperles las cadenas, decirles que no hay reglas, que eso se acabó, que la academia ha muerto”, con invitación dirigida particularmente a escritores de dramaturgia pero donde cualquier creador puede participar, a decir del dramaturgo.

El tiempo del teatro es el tiempo de la veta creativa, libertad de creación, trasgresión de la forma, según nuestro entrevistado, que se revela después de muchos años: “podemos hacer una dramaturgia fusión, podemos fundir una cantidad de géneros y tendencias que antes parecía que no se podían hacer”. Señala que la influencia del cine latinoamericano y europeo ha dado una gran lección en la utilización de la poesía, dichas corrientes manifiestan una tendencia nueva de contar historias, “una vertiente concentrada más en los temas y menos en las historias y los personajes, como nos habían dicho antes”. Dichos temas están vivos, presentes en la cotidianidad del espectador, quien se revela a su realidad por medio de esa fusión y libertad creativa descrita por Ott: “la esperanza en el siglo veinte era algo fácil de comprar; ahora en el siglo veintiuno no parece ni siquiera posible la esperanza”.

Periodista de formación, dramaturgo por convicción, con más de veinte obras bajo el brazo, la mayoría de ellas traducidas a más de cinco idiomas, Gustavo Ott sentencia: “las reglas han muerto, la academia ha muerto”, eso significa –acota el autor- que la responsabilidad creativa es mayor, al contrario de lo que se podría pensar. Aunado lo anterior a la carencia de una tendencia homogénea en la dramaturgia mundial, Gustavo Ott abunda: “existen las microreglas, cada quien impone su propia regla y su propio estilo, ni siquiera en toda su obra, sino por obra. Una obra de pronto tiene conflictos con tu obra anterior, ya no te comparas con otros autores, ya no hay movimiento, eres tú con tus propias piezas y con tu propio universo”.

Cada obra de Ott denota un pathos característico: Linda gatita, amor; Corazón pornográfico crimen; Tu ternura molotov intolerancia y terrorismo, entre otras. El origen de semejante conglomerado creativo lo comparte el autor: “lo que me gusta es escribir como si no fuera yo, me gusta escribir como otros, yo soy muy aburrido”. Señala que, efectivamente, dentro del taller se compartirán las visiones del trabajo dramático multidimensional creativo, basado en la narrativa “para mantener la prosa viva, intentando ser otros que no somos, para conseguir ser alguien”.

A pesar de la libertad creativa que no impone reglas, Ott arguye que la lengua y el teatro moderno se concilian irremediablemente: “una de las vertientes más interesantes de la propuesta de la dramaturgia latinoamericana es la oferta del Caribe, donde lo interesante no es solamente la mezcla multicolor de razas y culturas, sino además el planteamiento de un lenguaje vivo, que ni siquiera tiene una gramática definitiva, que pareciera que cada año se está remodelando de nuevo”, aunado a las características del idioma latentes en nuestro umbral latinoamericano.

El perfil periodístico de Ott no se soslaya de manera anecdótica, al contrario, “al ser periodista me es fácil vivir la vida de otros, no soy yo el protagonista y esa necesidad de buscar al otro están presentes en mi piezas”. Notas informativas, crónicas, reportajes, entrevistas, son elementos que para el autor constituyen la médula de su proceso creativo: “no se hasta qué punto sigo siendo periodista, utilizando las formas del teatro a partir de la realidad del hombre contemporáneo y sus angustias”.

- ¿La dramaturgia está convidada al banquete de la democracia, particularmente en Venezuela?

- La democracia en este momento parece una comida que no está servida. En Venezuela la dramaturgia está incluida en la constitución para su protección, sin embargo la dramaturgia venezolana sigue a la deriva por la falta de dedicación a políticas coherentes. Pero tampoco existe censura como mucha gente pretende creer, la verdad es que estamos escribiendo lo que nos da la gana, incluso en muchos casos se ataca al poder como toda labor creadora.

Las obras de Gustavo Ott son sugestivas desde el mismo título, donde radica la mitad de la obra: “lo digo mucho en los talleres, el título es fundamental. Sin embargo, un crítico mala leche me dijo que paso la mitad del tiempo en crear el título y la otra mitad en terminar la obra”. Dichos títulos han degenerado en obras itinerantes que han llevado a nuestro entrevistado de Nueva York a Paris: “uno tiene la obligación de pensar que el título de tu obra está en la marquesina más importante del mundo o en el último pueblo mas olvidado, y creo que en este sitio tiene más utilidad, porque el título es una metáfora, un poema, un guiño con sentido del humor, una bofetada incluso, trato de que el título sea parte de la metáfora de la pieza”.

La misma escritura la concibe nuestro entrevistado como un ente vivo y cambiante, de estética y estilística efímeras por antonomasia: “si un autor se pone límites a su propio estilo probablemente no pase de escribir un determinado número de piezas, llega un momento en que te aburres de ti mismo, además descubres que no eres interesante, sino que los interesantes son los demás”.

Nuestro entrevistado concluye con una dialéctica reflexiva a partir del otro: “los seres humanos se levantan en la mañana, se ven al espejo y se hace preguntas de importancia capital; el intelectual cree que él es el que se las hace, pero no, es la gente, haciendo preguntas filosóficas sobre su destino y el de la humanidad”

Alude la Civilización a la tragicomedia incómoda

2007-07-16T23:42:00.001-07:00

Aspiración a lo grande, veinte pisos encima de los mortales y más cercano a Dios que todos los que pisamos la ciudad. Un edificio compuesto de manera absurda por un conglomerado de cristal: dialéctica irreconciliable que, sin embargo, y ante nuestros ojos, se hace posible por la transa y la corrupción. Funcionarios y empresarios presentados como sinónimos de la estulticia de derecha e izquierda, trazados sin piedad desde la concepción pragmática de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, autor de Civilización, obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” edición 2006 y que se estrena el martes 17 de julio en el Museo de la Ciudad, siendo la obertura a la Quinta Muestra de la Joven Dramaturgia, auspiciada por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes.

Tres actores en escena en una lúcida composición de claros oscuros, apostándole directamente al diálogo teatral a través de un discurso cotidiano, abstraído de la realidad social y política actual. Sin embargo, tras la simplicidad de la producción existe un guiño crítico para el espectador, quien se deleitará con un texto lúcido, ácido, lleno de íconos de la problemática política, intermitente entre la realidad y lo que no queremos reconocer de nuestra cotidianidad y la ínfima importancia de nuestra memoria histórica.

Luis Enrique Gutiérrez acota que Civilización no es propiamente una comedia, como el resto de sus obras, sino más bien un drama basado en el orden público cotidiano. No obstante, la obra extrapola este orden y lo convierte en una subversión de la misma realidad. La explotación efectiva de referencias metatextuales, de una realidad en la que todos convidamos pero que nadie quiere reconocer, provoca una mofa tragicómica en el espectador digna de compartirse y de liberarse de los eufemismos mediáticos.

Una conjugación anecdótica que rememora no un maniqueísmo inmediato entre las clases gobernantes impúdicas, los insaciables empresarios y el aparentemente implacable hombre de los valores democráticos, que más que presentarse a modo de retórica, coadyuva a la memoria histórica y al deslinde politiquero superfluo. Civilización devela la corrupción, la disponibilidad religiosa, sexual y fanática, el enclenque sistema gubernamental, la infame postura de izquierda que en el nombre de los valores tiene precio, elementos aderezados por una sutil iluminación, a cargo de Jorge Kuri, que se antoja homérica y contrastante.

Cinco actos que se caracterizan por un inteligente relato teatral, subversivo y vulgar. Reacciones encontradas ante tres cuerpos desnudos de cuerpo, alma y cargo público. El discurso teje una comparsa lúdica con las composiciones visuales que generan los actores, la iluminación y la escenografía. El silencio es un importante elemento que da respiro y reflexión al espectador, una construcción más clara de los personajes. Drama y comedia, corrupción y majaderías, nuestro retrato como ciudad y como ciudadanos. Un centro histórico que funge como actor subjetivo donde recaen las también subjetivas acciones de los personajes, en nombre de un imputable edificio de veinte pisos, hecho de cantera y cristal.

Uno de los momentos más interesantes se encuentra cuando el tercer personaje –por orden de aparición- revela un halo de esperanza enfundado en los principios democráticos y los valores inquebrantables del poder ciudadano. La inviabilidad de la construcción del edificio depende de un idilio burocrático, a lo que el tercer personaje representará un obstáculo idóneo pero deleznable, pero con precio, corruptible al fin.

Civilización representa un reto al público desmemoriado y al ilusionismo demagógico y obsoleto. Grandes actuaciones dirigidas casi en automático por el autor, revelan un reto a la desmemoria queretana y a la arraigada ignorancia provocada por la polaridad partidista. Actores desnudos y semivestidos a la vez que simbolizan una transparencia aparente, dentro de una escenografía ascéptica que alegoriza sobre nuestra misma entidad, también aparentemente pulcra, en un montaje extemporáneo y agresivo, tan lascivo como la verdad, tan corrosivo como nuestra realidad. Así es la Civilización, nuestra civilización.

La Civilización Relativa de Gutiérrez O. M.

2007-07-15T22:50:00.000-07:00

Para el dramaturgo Luis Enrique Gutiérrez O. M. “a final de cuentas el teatro es eso: uno parte de una localidad para escribir para todos lados”. De esta manera surgió la idea para concebir Civilización, obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” edición 2006, y que será estrenada el martes 17 de julio en el Museo de la Ciudad a las 20 horas, bajo el auspicio del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA) en el marco de la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia Querétaro 2007.

De manera general, el dramaturgo presentó la trama de su obra: “habla sobre el no respeto al patrimonio cultural, a los monumentos” problemática relativa que es recurrente en la mayoría de las ciudades del mundo. Sin embargo delineó: “no me interesa relatar un hecho específico de un lugar, me interesa relatar las contradicciones del ser humano”.

Luis Enrique Gutiérrez detalla que Civilización “es una obra original que trata de muchas cosas, es difícil saberlo”. Advierte que la estructura de la obra se compone en teatro dialogado con tres actores profesionales originarios de la ciudad de Jalapa, en coproducción con el IQCA y la Universidad Veracruzana. De hecho la obra, según su autor, está escrita expresamente para dicha universidad.

Después de su estreno, el día martes 17 de julio, la obra iniciará una serie de presentaciones tanto en nuestra localidad como en Veracruz: “en Jalapa tenemos como treinta funciones; aquí tenemos entre siete y doce”, añadió el director.

Respecto a adelantar datos y características de Civilización, Luis Enrique Gutiérrez reconoció “yo puedo decir pocas cosas de mis obras, porque lo que quiero decir de las cosas lo digo en las obras”. Sin embargo, reveló que “a diferencia de mis obras anteriores, esta es una obra que trata abierta y directamente del orden público cotidiano, es decir, los personajes inciden en la colectividad como políticos o empresarios”. Agregó que por una serie de referentes significativos mostrados en torno a la ciudad, tales como políticos tanto de izquierda como derecha, figuras públicas, es una obra que se desarrolla en Querétaro.

Desde su propia perspectiva, Luis Enrique Gutiérrez reconoció que ignora cómo va a reaccionar el público que asista a Civilización: “yo escribo puras comedias, digamos que Civilización es la menos comedia de todas mis obras”. Sorprendido de su propia respuesta, el autor recula “no pretendo escribir comedias, normalmente observo que la gente se ríe con mis obras, yo supongo que por que son comedias”, en cambio, Civilización se insertar más “en una obra de orden de la tragedia cotidiana con algunos recursos de comedia”.

Sobre la importancia ineludible que tiene el público de teatro para esta disciplina, nuestro entrevistado señaló: “yo escribo para mi público y tengo público en todas partes; no lo conozco bien, por lo que trato de retarlo un poquito para irlo entendiendo. Creo que un dramaturgo acaba de entender a su público muchos años después, a veces después de su muerte”.

Radicado tanto en la capital Queretana como en Jalapa, Gutiérrez Ortiz Monasterio delata su opinión sobre el estado actual de la dramaturgia en Querétaro: “no se cómo se encuentra ahora, pero puedo hacer puntos comparativos. Fuera de la Ciudad de México para mí hay dos lugares para el teatro en México: Jalapa y Querétaro, ciudades donde hay una gran tradición teatral y el teatro es parte de la vida de la gente”. Específicamente, según el dramaturgo, “Querétaro es el que tiene más estrenos de teatro profesional por habitante”, aunque le falta alcanzar el nivel de calidad de Jalapa.

Ante la dualidad que impone el ser director y escritor Luis Enrique Gutiérrez O. M. atajó: “Yo soy dramaturgo, escribo desde hace seis años teatro y accidentalmente dirijo, de hecho no me considero director. El único recurso que tengo para dirigir es que conozco muy bien mi obra”. Las características de composición que definen la obra de nuestro entrevistado parten de una definición estilística derivada de su acercamiento al teatro: “para muchos, cuando comenzaba a escribir, no era teatro lo que yo escribía, ahora la mitad de la gente que comienza a escribir teatro en México trata de imitarme, quizás lo que están imitando no es teatro pero es lo que el público identifica como teatro, principalmente los jóvenes”.

Ganador de varios premios de dramaturgia nacionales e internacionales, entre los que se incluyen el First Fringe Award del Festival de Edimburgo y el mismo Manuel Herrera edición 2006, Luis Enrique Gutiérrez afirma: “no les doy importancia a los premios, ayudan para dar espacio y promoción a los nuevos escritores de teatro, el cual es un ambiente muy cerrado”.

Un día glorioso y trascendente

2007-07-10T23:57:00.000-07:00

Recuerdo que en el primer lustro de los noventa tomé el coche de mi padre a las 12 de la mañána de un jueves de 1991, cuando contaba con trece años de edad. Llegué al estacionamiento de una plaza comercial donde había un local devotamente llamado Musicbox, y donde, aprovechando que era de las pocas que ofrecían algo más que Vanilla Ice, daban los discos carísimos. Mi ciudad no se parece en nada a la de ese tiempo: un niño manejando un Dart modelo 76 en plena avenida Constituyentes no significaba nada para los pocos policias de tránsito, que en ese tiempo se entretenían viendo culos desnudos a diez cuadras de donde yo estaba aparcado, en un local de putas baratas llamado La Yegua, a donde siguen acudiendo los mismos policias y los mismos culos desnudos y flácidos por los años.
El motivo de mi estancia madruguera en ese estacionamiento era la llegada de Use your Illusion I y II de Guns N´Roses, par de albums que rompían con la tradición hardrockera del momento, al igual que el Nevermind, de una partida de mugrosos llamados Nirvana, que padecían de distorsionadores incipientes, guitarras nuevas, acordes disonantes y estética glam post. Éramos más de cien los allí congregados, los mismos que imaginábamos la importancia histórica que tenían esos albums, (un mínimo atisbo).
Tres horas después llegó un camión de tres toneladas con caja blanca que de plano, a la hora de descargar las cajas que contenían loas discos, tuvo que comenzar precipitádamente la venta sobre la banqueta de la plaza. Al principio éramos cien, pero logramos componer un grupo de hasta trescientas almas, las cuales comenzamos a arremolinarnos en torno a un Golf equipado con CD para auto (sic y guauu) que comenzaba a sonar los primeros acordes de Civil War; curiosamente el dueño del auto había preferido tocar en pirncipio el volumen II. Nadie lo entendió, pero quedamos agradecidos por tremenda sorpresa que nos llevamos con el tributo guitarrístico a Hendrix por parte de un sujeto que solía llamarse Slash.
Conseguí mis discos a un precio insultante, soporté jalones, golpes, insultos, hambre, frío, más insultos y una mentada de madre de mi familia completa. Pero los discos estaban en mis manos.
Ha pasado un rato desde ese momento. Los discos de GNR me los robaron hasta en cuatro ocasiones. Algunos destellos se muestran interesantes en la industria cultural musical. Considerando que en esos días no contaba con teléfono móvil, internet, prensa, Carlos Slim, Mixup, LIbrerías Gandhi y toda la parafernalia mercadotécnica para obtener un disco, lo importante era lograrlo. De hecho esa expresión sustituyó a comprar: ¡Voy a lograr el disco doble de GNR!
Desde hace tiempo no escucho una banda tan trascendete e importante para la historia del rock: INTERPOL, así, con mayúsculas. Hoy es el día que sacan su tercer largometraje musical y nada ni nadie dice nada...sólo un fúnebre silencio. Mixup no dijo nada, solamente presentó su afanosa propaganda para comprar mierda. Musicbox no existe; sucumbió a la competencia de más de treinta tiendas de discos que ofrecen más y mejor material (dentro de las cuales se encuentran tres tiendas Mixup) pero no pasa nada, nadie espera en el estacionamiento de la plaza para lograr el nuevo disco de INTERPOL, ni está dispuesto a pelear por un disco que ya de por sí viene impulsado por una preponderancia musical atípica.
Definitivamente no aparece en los mil y un discos que tengo que escuchar antes de morir y ni importa. INTERPOL está insertado en la escena iconoclasta de un rock lúdico, minimalista, nostálgico del mainstream NYC y caótico a la vez. Casual y peligroso, negro y diurno, mortal y ecuánime, se antoja suicida. Hablaré después. Voy a buscar alguna plaza con quorum suficiente para poner en el CD de auto el track uno del disco nuevo. Historia pura, bienvenida¡¡¡

Una espera nunca será eterna

2007-07-10T23:42:00.000-07:00

Konninginnedag, ejercicio lúdico de la dramaturgia joven

2007-07-10T11:40:00.000-07:00

Una obra extraña que tiene el privilegio de regresar a los elementos de la dramaturgia clásica, así define el director Uriel Bravo a Konninginnedag (El Día de la Reina), del dramaturgo capitalino Alberto Castillo, que con el apoyo del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA), se presentará el próximo viernes 20 de julio en el Museo de la Ciudad, en el marco de la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia Querétaro 2007. El nombre de la obra, considerado como una tomadura de pelo de parte del dramaturgo –según Uriel Bravo-, “nos habla de que el teatro hay que tomarlo en serio con sus contextos y como lo que es: un ejercicio lúdico que nos guiña el ojo”.

El director capitalino aclara que no se trata en un principio de un montaje, sino de lecturas dramatizadas de la obra de Alberto Castillo. Precisa que “la finalidad es presentar los textos ante los jóvenes dramaturgos, que sirva como paradigma de lo que cada uno de ellos está intentando escribir”.

Koninginnedag o El Día de la Reina, escrita por el escritor capitalino Alberto Castillo, “es una obra extraña para la generación actual de dramaturgos jóvenes”, cuyo fenómeno se distingue por la investigación y la reestructuración de la dramaturgia, como es el caso de Castillo, quien –según nuestro entrevistado- “nos presenta un ejercicio chejoviano, bien hecho”.

Para Uriel Bravo, lo extraño radica en que “un escritor joven decida regresar al camino de la buena dramaturgia, en el sentido estructural que conocemos, y que establezca un paradigma de recuperación de los clásicos”.

Una obra con personajes muy bien estructurados, clarísimos a la lectura y que representa un reto para un ejercicio de lectura dramatizada, son las características que enumera Uriel Bravo sobre la obra de Castillo. Las mismas características de la obra la encaminan a ser “un texto que va a tener repercusiones importantes, que va a tener montajes y va a sobrar quien lo quiera montar”.

Ciertamente, según señala Bravo, la comunión entre una obra que se ofrece extraña con un regreso a la dramaturgia clásica por definición es posible: “digamos que un clásico se hace clásico a partir de la extrañeza que causa, tiene un impacto y rompimiento en la sociedad y a partir de ese momento se vuelve clásico”. Refiere íconos imprescindibles del teatro del absurdo, como El Rinoceronte y La Cantante Calva, ambas obras del dramaturgo rumano Eugène Ionesco, “fueron iconoclastas, acaban con la forma lógica de hacer teatro, y terminaron siendo clásicos”.

Con base en la afirmación anterior, Uriel Bravo precisa: “Alberto Castillo lleva a cabo dos labores importantes: una relectura de Anton Chejov, muy moderna, y un planteamiento problemático que Chejov nunca se hubiera imaginado, y menos con las soluciones que les da Alberto”.

Koninginnedag o El Día de la Reina, trata sobre una perturbadora excursión por los Países Bajos en plena fiesta nacional, dedicado a la Reina de Holanda –de allí el título de la obra- y que dota a la cuarta pared de un instinto voyeurista que sigue a los actores por las vicisitudes de los festejos. Uriel Bravo reflexiona al respecto: “uno podría suponer que por tratarse de la sociedad holandesa y sus problemas de segregación racial, parecerían no ser los nuestros, pero si le movemos tantito a la obra, parecería estar puesta en Los Ángeles, y en vez de un musulmán podría tratarse de un michoacano migrante siendo botado por una familia de gringos”. La obra no delata una gran diferencia contextual tiempo-espacio, “leída en un contexto más amplio y humanista”, como sugiere Bravo, nos encontraríamos con una convergencia de problemáticas y cuestiones morales, éticas y humanas.

Sobre los criterios que el director tomó en cuenta para dirigir la obra, a decir de Bravo, se diferencian de origen: “si la idea fuera dirigir un montaje, para mí como director el texto solamente sería un pretexto con mi relectura”. Pero en el caso de la lectura dramatizada “el director se pone al servicio del dramaturgo con honestidad”. Abundó al respecto que el trabajo de dirección en lecturas dramatizadas, como en el caso de Koninginnedag, “es un trabajo muy artesanal y minuciosos, le sirve a uno como director para reconocer el material” lo cual impulsaría ulteriormente un trabajo de montaje “donde como director uno aporta de su propia cosecha”.

El adjetivo joven, en el título de la Quinta Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia Querétaro 2007, es para Uriel Bravo una instancia meramente cronológica, “porque hay jóvenes que escriben como ancianos, con muchos miedos y temores; también hay jóvenes que se arriesgan así como hay dramaturgos viejos que escriben con un sentido del riesgo que parece de un joven irresponsable”.

- ¿Cómo director qué prefiere, un viejo que escriba como joven o un joven que escriba como viejo?

- De hecho las dos cosas, no es cuestión de preferencias sino de que conectes con alguien.

Director en 2005 de La Fe de los Cerdos, obra de Hugo Abraham Wirth Nava ganadora del Quinto Concurso Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda, Uriel Bravo recuerda que “fue impresionante el golpe que sentí cuando la leí, por la potencia abrumadora del texto” producto de un actor que estaba cumpliendo los veinte años en el momento de la aparición de la obra.

- ¿A qué le apuesta el teatro en Querétaro?

- A nada. Un Estado al que no le interesa la cultura más que en su sentido mercadotécnico, que le importa más la cultura en el sentido turístico, no podemos aspirar a contar con un proyecto de teatro cultural y de estado.

Señala Uriel Bravo que “eso parece darle mucho gusto a la gente del gobierno, porque la gente de teatro somos muy molestos”. Al respecto recuerda un comentario que hizo Manuel González Valle, siendo aún candidato a la presidencia municipal, quien dijo –según nuestro entrevistado- “¡hombre, si hay muchos jardines, muchas fuentes! ¿cuál es el problema del teatro? Y yo le contesté: saque su escritorio y despache en el Jardín de los Perritos”, concluyó.

Centro Histérico en potencia (primera parte)

2007-07-09T19:28:00.000-07:00

La designación de Patrimonio Cultural de la Humanidad que le fue otorgada al Centro de la Ciudad de Querétaro, específicamente a la Zona de Monumentos Históricos, en el año de 1996 podría estar en riesgo toda vez que su protección y salvaguarda por parte de las autoridades municipales y delegacionales especializadas, como el caso del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) delegación Querétaro, no ha sido la adecuada y, en cambio, sí han permitido que el sector urbano sucumba ante el avance del sector comercial.

Por ello, en opinión del urbanista y arquitecto, Gonzalo Ruiz Posada, el Centro Histórico y su Zona de Monumentos está padeciendo, a causa del comercio, “una ola espantosa que está transformando todo el Centro Histórico. Como consecuencia de ello pues viene gente que trata de capitalizar”. El impacto, señala Ruiz Posada, es inminente y ya se reciente en el sector urbano del Centro Histórico donde sus habitantes han decidido vender sus casas.

Legalmente, el Patrimonio del Centro Histórico de Querétaro está protegido por la Ley Federal sobre monumentos y zonas arqueológicos, artísticos e históricos y por el Reglamento de la Ley Federal sobre monumentos y zonas arqueológicos, artísticos e históricos. Paralelamente la Zona de Monumentos es parte de 9 zonas del interior de la República declaradas Patrimonio de la Humanidad.

Sin embargo esto ha sido insuficiente para detener las apropiaciones que el sector comercial hace de gran parte del Centro Histórico. El periodista y escritor Agustín Escobar cita desde otra perspectiva el padecimiento del Centro: “Los espacios públicos del Centro Histórico de la ciudad de Querétaro se privatizan. Andadores, jardines, portales y plazas, han sido invadidos por todo tipo de artilugios: toldos, sombrillas, sillas y mesas de bares y restaurantes”. A su vez, el llamado corazón urbano de la ciudad, Plaza de Armas, donde cotidianamente pululan ruedas de prensa de servidores públicos, se ve plagada por “los restaurantes Chucho El Roto y 1810 (quienes) han invadido una buena parte; en el Portal del Mesón macetones, sillas y mesas se interponen a los viandantes, en tanto que, una de las esquinas del Portal de la Soledad fue enrejada. Incluso, a la Casa de la Corregidora le han colocado una serie de vallas metálicas que la “protegen” de quienes protestan por las erradas políticas del gobierno del estado”.

El crecimiento del sector comercial tiene su epicentro en la manera acelerada que se realizan los trámites de uso de suelo. Ruiz Posada detalla que “teóricamente en el urbanismo el uso menos agresivo es el habitacional. Desafortunadamente con esta modalidad de la zonificación (uso de suelo) se definen otro tipo de actividades, se necesita del sector primario, del secundario y del terciario para satisfacer sus necesidades. Por lo tanto, la ciudad ha establecido una serie de redes, usos, acumulación de capital, de manera que usted pueda ir a una ferretería, a un banco, relativamente próximo”.

A su vez, Escobar complementa la problemática “el Centro Histórico prácticamente está deshabitado puesto que el impuesto predial es el más caro de la ciudad, situación que ha provocado que los dueños de las antiguas casonas lo abandonen y renten accesorias para compensar los gastos que tienen que erogar, lo que a la vez ha causado una excesiva changarrización”. Ejemplifica: “Las ocho cuadras de la calle Juárez, que durante el día es de las más transitadas, a las diez de la noche está abandonada porque quedan menos de quince familias que la habitan”, lo que coloca a la Zona de Monumentos frente a una disyuntiva difícil que amenaza su calidad de patrimonio.

Narrando el Mundo

2007-07-09T19:25:00.000-07:00

“Más que el beneficio directo de la literatura, aprendemos a estructurar el pensamiento”, así definió Blas César Terán Páramo la intención principal del taller Narrando el Mundo, el oficio literario desde la perspectiva del relato, que con el apoyo del Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA), se oferta en el Museo de la Restauración los miércoles de 10 a 13 horas y sábados de 10 30 a 14 30 horas para el primer módulo, y los martes de 16 a 19 horas para el segundo módulo, dirigidos en conjunto “a personas interesadas en el estudio de la literatura en sus diferentes géneros y a quienes trabajan en la realización de proyectos literarios junio en el Museo de la Ciudad”.

Blas César Terán Páramo, quien declara “no me considero escritor, sino un dilectante de la literatura”, especifica que el taller: “se divide en dos módulos. En Narrando el Mundo I conocemos la dimensión espacial, actoral, la voz narrativa, el universo diegético del relato”. Luz Aurora Pimentel, Vladimir Nabokov, Jean Genet, son algunos de los autores a los que recurre Terán Páramo para el acercamiento al relato. De manera relativa, en el módulo dos se tratan asuntos relacionados con la creación literaria y los recursos que ofrece la narrativa para la configuración del relato y el desarrollo de una novela.

Respecto al carácter didáctico que se oferta en Narración del Mundo, Terán Páramo explica “hay un ritmo y una cadencia en este taller, derivada de uno anterior llamado Por el mero placer de la palabra, el cual se dividía en cuatro módulos: poesía, narrativa, ensayo y crónica, estructuradas en cuarenta horas de exposición, con teoría y práctica intensiva”. Una vez que se ha dado de manera efectiva un primer acercamiento a los géneros literarios, los participantes deciden seguir con su formación literaria “donde se abordan desde esa perspectiva el ensayo, el cuento, la novela” que es principalmente de donde surge la propuesta de Narrando el Mundo I.

Podría suponerse que tal curso de acercamiento al placer literario implicaría un antecedente importante como requisito para poder participar, pero no es así. Nuestro entrevistado asegura que “no hay un proceso de selección para ser participante de los talleres”. Aclaró que incluso se cuenta con un espectro generacional heterogéneo, “la edad de los participantes fluctúa entre los dieciocho y los setenta años”. A su vez, los antecedentes académicos no son determinantes para el ingreso: “han participado personas desde nivel de formación básico hasta gente de preparatoria, licenciatura, maestría... ¡hasta doctorado!

- ¿Cuál ha sido la respuesta del trabajo en los talleres literarios?

- Aceptable. Hay una afluencia de siete a diez integrantes por taller.

Cabe señalar que las personas que han tomado talleres literarios anteriormente pueden seguir tomando los talleres subsecuentes, como Narrando el Mundo I, integrados en exposiciones de teoría y práctica repartidas en cuarenta horas. Dicho taller ofrece –según Terán Páramo- “una diferente dimensión en el proceso del desarrollo de la narrativa, o sea, un taller permanente llamado Narrando el Mundo II”, que trata sobre la exposición, crítica y corrección de los textos creados por los participantes.

Resalta que el rumbo en la creación literaria de nuestro Estado lo están dictando los jóvenes: “vemos como el estilo literario tradicional y generacional ha evolucionado, ahora los creadores jóvenes tienen una mayor proyección”. Luis Alberto Arellano, Federico de la Vega, entre otros, forman parte de esta nueva generación que “ya trasgredió los límites del Estado, afortunadamente”, subrayó.

Al producto del taller de narrativa, específicamente Narrando el Mundo II, se le considera material publicable, mismo que será parte de “la revista del taller de literatura, Altas desde tu cabeza, perteneciente al Museo de la Restauración de la República. Dicha revista, cuyo nombre está basado en las reglas del juego de las canicas, plantea en cada número una temática dramática como pretexto y ya cuenta con el número cero, mientras que se hacen los preparativos para lanzar el número uno, con el tema “cuentos sobre asesinatos”.

Dos posibilidades definen a Narrando el Mundo, señala nuestro entrevistado: “se trata de crear un taller permanente, y que el Museo de la Restauración de la República tenga un grupo de escritores que representen al museo como narradores”. Paralelamente, el objetivo de Narrando el Mundo “es fomentar la construcción del borrador para el desarrollo de una primer novela”. Por lo tanto, tanto los participantes como el mismo coordinador del taller intercambian recursos y experiencias para el impulso creativo y literario de las obras en potencia.

- ¿Cuáles son sus expectativas?

- Publicarlas.

Balzac, García Márquez, Paz, son algunos de los nombres que se tratan para su análisis y lectura, además de las propuestas narrativas que los participantes aportan, las cuales “tienen alguna textura narrativa, se les recomienda un autor más cercano a su estilo, para lograr un análisis comparativo”.

- ¿Cuáles son sus proyectos literarios?

- No deseo una publicación. No he tenido ese valor de enfrentarme a la crítica directamente, tal vez por los esquemas actuales de la crítica literaria que está muy ligada al Instituto Nacional de Bellas Artes donde se trabaja más bajo un sustento académico más que emocional.

Las miradas melindrosas.

2007-06-27T23:12:00.000-07:00

No lo sabía aún, pero esta era la última vez que iba a estacionar su auto en el cajón de estacionamiento de la facultad de ingeniería, vecina a la facultad de ciencias sociales, donde ella impartía la clase de semántica desde hacía un año, en esta universidad que la recibió con mansedumbre. Era también la última vez que dirigía la mirada renuente y pusilánime hacia la oficina de la dirección, con la esperanza vacía de encontrar a su patrón para platicar sobre los chicos, sobre su vanguardista plan semestral, sobre el clima de la ciudad, sobre su ciudad.
Caminando a pasos sincopados, respiraba un olor a hierba y tierra que le relajaban sus fosas nasales, sustituyendo el sabor a ron por el rocío de martes nublado. Su bolsa fungía más como barrera objetal; ¿por qué no traje mis libros?, se preguntaba. Sin ellos desnuda y susceptible; con ellos lúcida y legítima. Soslayando las miradas de los pocos universitarios que ponderaban sus últimas calificaciones, cedió al aula donde tantas veces fue linchada por las bocas y los recaditos en pedazos de papel, por las dudas de sus alumnos, por las evaluaciones docentes, por la soledad de que implica estar frente a un grupo de 22 (¿o eran 25?). Sucumbió, al mismo tiempo, a su revitalizante nostalgia, a su doctorado, a sus triunfos académicos, a sus tesis sobre el cambio social y los procesos electorales.
Ella y su dipsomanía tejiendo un monólogo efímero y engañoso. La pulcritud del piso la asustó y le dieron ganas de seguir bebiendo. Una pareja de profesores caminó frente a su aula. Ella alcanzó a advertir sus risas y sus palabras altisonantes, producto de anecdotas compartidas:
- ¡Buenos días, maestra!
- ¡Hola! ¿Cómo les fue en el semestre?
- Ya estamos preparando el que viene.
La pareja siguió caminado, reanuadando los pretextos anecdóticos. Ella se quedó con una sonrisa fingida en el rostro y espeto mierda, mientras lamentaba no haber portado un libro en sus manos sobre administración pública.
Había perdido la noción del tiempo. Sus manos comenzaban a temblar y le dieron ganas de orinar. Su continencia le provocaba un pequeño malestar en las vías urinarias, señas de que había bebido más ron que antier.
Salió del aula. Caminó rumbo a los sanitarios. Caminó por los pasillos del edificio. Miró su reflejo apesadumbrado por las ventanas. Al pasar frente a un aula dirigió una mirada fugaz al interior del inmueble. Los escrutó. Notó la risa de uno, la burla de otra, el gesto arcano del que emitió un yavaliomadre agudo y débil. Las ganas de orinar desaparecieron junto con el pequeño malestar instantáneamente. Fueron sustituidos por la vergüenza y el sosiego.
No habló más de lo meritoriamente necesario con ellos: gracias, el próximo viernes doy calificaciones, está bien, pero sin falta. La recepción de los trabajos significó una tarea ardua, más de lo que había imaginado. Al subir a su coche, reconoció que no había logrado fingir su embriaguez de manera efectiva. Sintió ganas de ver televisión, de llamar a su ex esposo, de comer chile. Exhaló una breve ventosidad que emitió un gemido anal hueco y fétido. Tomó la autopista y decidió comprar más ron.
*Foto: Luis Nataren "Tomando el Sol"

A propósito de la Bandera Mexicana.

2007-06-27T18:13:00.000-07:00

El día viernes 22 de junio los medios impresos y electrónicos esparcieron una nota que infundaba vergüenza e ignominia en el patriotismo, legítimo o no, de cada uno de los ciudadanos mexicanos a causa de un hecho inédito:
"En la casa de Big Brother en Australia una fiesta mexicana originalmente programada como homenaje a México derivó en una parodia en la cual los participantes arrojaron agua a una bandera de nuestro país (...) Otro concurso se llamaba Tabasco fiasco, y en éste los concursantes comían platillos mexicanos, uno de ellos llamado frijoles saltarines, y luego se formaron dos equipos, uno de los cuales arrojaba globos de agua y otro intentaba “pararlos”. En el juego una Bandera mexicana colocada en la pared fue blanco de los globos". La Crónica de Hoy. Viernes 22 de junio del 2007.
Por parte de los noticiarios televisivos de televisión nacional (Carlos Loret de Mola, por ejemplo) y algunos medios impresos (Milenio, El Universal, La Jornada) se alardeó la ignorancia y estulticia de los productores de Endemol Australia por haber colocado en orden invertido los colores de la Bandera Nacional: rojo, blanco y verde:
"En dicho programa, personas con sombreros de charro lanzaban globos con pintura roja en contra de una bandera mexicana, con los colores invertidos". Agencia Notimex.
Sin embargo, el lapsus infame de colocar invertidos los colores del lábaro patrio no es exclusivo de realitiers australianos:
En la toma de protesta de Felipe Calderón se delatan signos de estulticia patriótica más que de un simple descuido. ¿Ni siquiera tuvieron tiempo para ese pequeño detalle? ¿Quién se atrevió a indignarse por la ignorancia de Calderón al traer puesta la banda presidencial, con los colores de la bandera invertidos? ¿Eso lo hace más espurio e ilegitimo? ¿Se desvela con esto que la improvisada y visceral toma de protesta
fue un mal montaje de pésimo gusto dramatúrgico? ¿Acaso la bandera del recinto legislativo de San Lázaro no es demasiado grande para los dispersos ojos de la comitiva palurda?
La toma de protesta de Felipe Calderón con una banda presidencial espuria, pirata, ilegitima, invertida, apócrifa, bien merece un famélico sitio en la ignominia patriótica. Pero no fue el único.

En la paralela toma de protesta del autopromulgado presidente legítimo ¡ocurrió lo mismo! Aderezada con un águila presidencial, anácronica, con marcado estilo del siglo XIX y con tela evidentemente de inferior costo, la bandera presentaba la misma disposición errante, producto del mismo ensalmo que Calderón: la estupidez. ¿Dónde quedaron las pretenciones intelectuales que lo diferencíaban del presidente espurio? ¿Ningún flamante secretario de su gabinete fue capaz de advertirle la semejante pifia? ¿Qué crítica se gestó desde la trinchera mediática de izquierda ante este desparpajo pseudocívico? ¿No le alcanzó la bandera del Zócalo para hacer una distinción discreta y corregir?
Mero ejercicio de observación que gesta una pregunta: ¿Para qué despotricar ante desdenes de ignorancia histórico-geográfica de otras latitudes, sucumbiendo a nuestro colérico patriotismo futbolero, si en nuestra misma Tierra padecemos de estolidez cívica? Por lo menos aquellos ilusos australianos apelan a su estupidez (se obvia si recordamos que son habitantes de la casa de Big Brother, ¡y que no será la primera ni la última estupidez!). Nuestros presidentes son eso, presidentes de la república, con minúscula; uno peligroso para México, otro peor; diferentes pero iguales; tan espurios como ilegítimos. Par de oligofrénicos al final del día.
fotos: La Crónica de Hoy y nodulo.com

Último día de Ballet Nacional: testimonio gráfico de Demian Chávez

2007-06-26T05:47:00.000-07:00

Un testimonio visual e histórico concebido como fotorreportaje, que captura los momentos más íntimos del último día del Ballet Nacional de México, obra del fotógrafo queretano Demian Chávez, se hizo acreedor del estímulo a la producción artística, Apoyarte, que otorga el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA) y que, según detalla el autor, “no podríamos decir que se trata de un ensayo fotográfico, este proyecto se distingue porque narra a través de fotografías justo la fecha en torno a la última función de la compañía, en ese entonces dirigida por Guillermina Bravo”.

La intuición de realizar este trabajo, según Chávez “es a partir del instinto que te dice que allí había una historia que tiene que contarse... y no me equivoqué”. La concreción de este relato de imágenes contó con la cooperación del Centro Nacional de Danza Contemporánea (Cenadac), quienes invitaron al fotógrafo para que hiciera una crónica fotográfica desde el montaje y los ensayos, hasta la presentación de la última función del Ballet: “se trató de un trabajo donde me integré a las actividades de la compañía como un elemento más, tal como debe de ser el trabajo de un reportero”.

Más que una disyuntiva, las dos dimensiones que distinguen el trabajo fotográfico de Demian Chávez, el fotoperiodismo y la fotografía artística, implican una complejidad creativa conjugada en esas dos facetas y que delatan la composición de sus imágenes. “Me he especializado en el trabajo de fotoperiodismo, sin embargo, mi formación es de fotografía artística”. Datos duros y emoción, disciplina y técnica, hechos reales y abstracciones del momento mágico, la ecuación arte-periodismo “le confiere a mi trabajo el instinto del reportero y la sensibilidad del artista”.

Lejos de los determinismos que implica trazar una distinción entre los fotógrafos análogos y digitales de Querétaro, Demian Chávez reconoce: “definitivamente los fotógrafos digitales pertenecemos a una generación nueva de fotorreporteros, pero además es una generación heterogénea donde se conjugan técnica, periodismo y arte”. Nuestro entrevistado detalla el panorama del fotoperiodismo local y hace una clasificación de tres generaciones: una primera generación que nace de manera autodidacta en los laboratorios fotográficos y se integra de manera emergente a los medios impresos decanos de nuestra entidad, tales como Alberto Herrera, Manuel Medina, Lamberto Cervantes y El Charro López. La segunda conformada por los fotógrafos que se forjan en los periódicos locales, destacando nombres como Juan Ugalde y Francisco Camacho. Después viene la generación que experimenta la incursión generalizada de la fotografía digital con nombres como Elizabeth Mujica, Carlos Rode, Martín Sánchez y Carlos Layseca.

Dentro de dicha clasificación, Damian Chávez declara que “yo pertenezco al proceso de transición fotográfica que va de la película a lo digital, me toca hacer coberturas donde tengo que revelar los tres tipos: diapositivas, blanco negro y color. No obstante estoy dentro de la dinámica digital, estoy en medio”.

¿Cuál es el mensaje que el testimonio gráfico del último día del Ballet Nacional quiere trasmitir al público? Chávez distingue principalmente tres mensajes: la importancia de la memoria histórica, “el trabajo recoge una constatación gráfica que llega a ser incluso una situación nostálgica y melancólica por la despedida de la compañía después de cincuenta y ocho años de historia”; una recopilación de la memoria corporal, “una recolección de imágenes y movimientos que delatan la disciplina dancística”; y finalmente la memoria fotográfica, “la fotografía como documento histórico, la fotografía como un ejercicio de sorpresas y evocaciones del movimiento que apelan al recuerdo del personaje en la fotografía”.

Los contrastes que inevitablemente se delatan entre el fotoperiodismo político y la fotografía artística, particularmente la danza contemporánea, implican una integración particular, concatenada a la realidad del hecho concreto: “cuando hago danza contemporánea es conocer la danza, llega a ser tal mi intervención que es como si yo también danzara, y eso lo disfruto mucho. Cuando hago fotografía social, lejos de un foro, plagado de situaciones incontroladas y una latente tensión, no mides las consecuencias de lo que vas a hacer, te dejas llevar por la adrenalina, no concibes la pequeña diferencia entre ser actor y testigo, a veces uno cree ilusoriamente que por ser de prensa no te va a pasar nada, cuando a veces somos los primeros que les toca: un momento artístico implica conocimiento y sorpresa; un hecho social revela dimensiones difíciles de ponderar”.

El trabajo del último día de Ballet Nacional, hasta la fecha de la entrevista, se encontraba en la etapa del diseño editorial, “estamos por acomodar, los textos, cambiar un par de fotos y consiguiendo patrocinadores”. Cabe resaltar que la otrora directora del Ballet Nacional, Guillermina Bravo, no estaba enterada de la realización del trabajo, sin embargo “le presenté el proyecto, le gustó y no puso mayor objeción para la publicación”.

Miembro del Fondo Iberoamericano de Fotografía, Chávez reconoce que “hay muchas expectativas en torno al producto final. Hay una petición de la Universidad Tecnológica de los Leones, en Santiago de Chile quienes están interesados en conocer el proyecto. En agosto hay un coloquio de fotografía en Puebla, el cual, a través de sus organizadores, me han expresado un especial interés por conocer mi trabajo”.

Al respecto sobre el panorama que define el trabajo del fotoperiodismo queretano, nuestro entrevistado aventura una respuesta: “es muy extraño, el público que sale retratado en los periódicos cree que se gana muy bien, lo cual en algunos casos sí se da, pero usualmente los sueldos son muy bajos. No obstante, creen que porque trabajamos en un medio impreso les debemos regalar las imágenes al público retratado. Algunos periódicos abusan de los fotógrafos que colaboran con ellos, les pagan cantidades nimias por su trabajo o de plano no les pagan. Nuestra labor, entonces, tiene que buscar un medio que valore tus imágenes por la calidad gráfica, para hacerte merecedor de un salario”.

La fotografía artística ante la pintura como disciplinas visuales, también enfrenta una serie de vicisitudes que menoscaban su condición “por la tradición visual, creemos que el pintor es el artista y el fotógrafo es el que solamente presiona el botón, cuando en realidad implica un trabajo de composición demandante que va desde la conceptualización de la imagen hasta la labor técnica de edición e impresión”.

Influenciado por tendencias heterogéneas, reconoce que ha aprendido principalmente de sus amigos: Francisco Camacho, Marco Antonio Cruz, Pedro Valtierra, y de artistas visuales como la mexicana Vida Yovanovich y el checo Joseph Koudelca

- ¿Color o blanco y negro?

- Definitivamente blanco y negro, es menos controlado, más fácil de procesar, más melancólico y exige ciertas pericias para armar un laboratorio casero en cualquier baño.

*Foto: Demian Chávez. www.cuartoscuro. com Querétaro 15 de diciembre del 2006.

Agustín Escobar y dieciocho voces que hablan de migración

2007-06-24T22:51:00.001-07:00

Agustín Ledesma Escobar, queretano, escritor, periodista autodidacta, recientemente acreedor al Estímulo a la Producción Artística que otorga el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA), nos habló en torno a su trabajo que se hizo merecedor a dicho estímulo: “se tratan de una compilación de dieciocho ensayos, uno sobre cada municipio del Estado de Querétaro, sobre el tema de la migración”. Sin embargo, reconoce que el fenómeno de la migración no ha sido un problema justamente dimensionado tanto a nivel estatal como federal, de ahí la necesidad de presentar una visión alterna del fenómeno.

Con este trabajo, Agustín Escobar no trata de dilucidar una tesis generalizada para explicar el fenómeno de la migración en Querétaro, “he ido particularizando a cada uno de los municipios que están dentro del espectro del fenómeno migratorio”. Esto se debe a que la migración, aunado a otras problemáticas como la marginación, el desempleo, el rezago educativo, dentro del mismo estado pero en diferente municipio, presenta distintas aristas de observación e interpretación. Un ejemplo claro es el caso de Pedro Escobedo: “donde la migración se observa a partir del arribo de los migrantes centroamericanos, quienes conviven y reciben ayuda de los mismos habitantes del municipio”. Es en este municipio donde se manifiesta esta particularidad principalmente porque es cruzado por el ferrocarril, medio de transporte idóneo que utilizan los migrantes centroamericanos para llegar hasta la frontera de los Estados Unidos.

Sin embargo, su proyecto no apuesta por ocupar un lugar más dentro de los textos científicos ni académicos en torno a la migración. Nuestro entrevistado reconoce que existen antecedentes de investigaciones sobre el fenómeno de la migración de la Universidad Autónoma de Querétaro, específicamente de la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales y de la Facultad de Filosofía. Escobar delimita: “no estoy abordando el fenómeno con un tratamiento científico. Mi propuesta va más en el sentido de conciliar relatos donde lo principal es la narración contada con la voz de los propios migrantes”.

Voz crítica del periodismo local, Escobar revela que su trabajo “mantiene un espíritu crítico sobre lo que está ocurriendo en torno a los migrantes queretanos. En esta propuesta, no sólo se trata de hacer una disección de la migración queretana escindida sino, como en todo proceso social, se entretejen relatos, situaciones y desatención gubernamental en estados que comparten esta problemática”.

Dicha experiencia lo ha llevado a retroalimentarse de forma directa con el fenómeno de la migración: “he tenido oportunidad de viajar a Los Ángeles y a la misma frontera; si uno va hablar sobre la problemática de los migrantes mínimo necesitas saber por dónde llegan estos y a dónde cruzan”. Y Abunda: “no solamente se trata de concatenar experiencias a través de los relatos. A pesar de tratarse de un proyecto con marcado estilo literario, el trabajo de campo viene a ser un complemento importante para sustentar los ensayos”. No obstante, nuestro entrevistado reconoce que lo idóneo sería “realizar el trayecto en camión como lo hacen ellos, o acompañar incluso a un grupo de migrantes, desde que salen de su comunidad hasta que están esperando el momento predilecto para cruzar”.

Los motivos principales que llevaron a Escobar a escribir acerca de la migración son “principalmente porque la migración está incidiendo, no sólo en nuestro estado sino en el país, en algunos aspectos socioculturales que hacia el futuro próximo van a ser de relevancia por el inminente crecimiento de la migración”. Tales aspectos socioculturales los definió como cambios que tienen que ver con valores culturales y religiosos, que van desde incorporación de influencias de productos estadounidenses hasta la proliferación de conductas negativas como la drogadicción.

Un ejemplo de está modificación del panorama sociocultural de la región es el de reciente aparición en la sierra queretana. Nuestro entrevistado destaca que “se ha incorporado el arroz chino a las fiestas tradicionales”. Dicho producto se insertó dentro de la dinámica de las tradiciones por medio de la exportación que realizan los paisanos, entre otros productos.

Tales incorporaciones están provocando, según Escobar Ledesma, un cambio en las pautas culturales en las comunidades pertenecientes a los diferentes municipios. El escritor señala que, a su vez, las nuevas pautas de culturales varían de acuerdo a cada municipio, según el índice de migración que presente cada uno: “en la Sierra Gorda el índice es elevado; municipios como Huimilpan y Pinal de Amoles pertenecientes a la Sierra, presentan un índice medio; y otros como San Juan del Río, Tequisquiapan y la capital presentan índices bajos de migración”.

En el caso de Huimilpan, precisó Escobar “la población de migrantes que se dirigen a los Estados Unidos establecen redes de apoyo a los de su misma situación: cuentan con destinos seguros tanto en la frontera, como en territorio estadounidense; hospedaje y alimentación por tiempo indefinido; bolsa de trabajo y contratantes directos”. Estas características del perfil migratorio de Huimilpan se deben a que el municipio “tiene más antigüedad en el fenómeno de la migración y una estructura más configurada para poder migrar con el menor riesgo posible”.

Para Agustín Escobar, los incentivos para la producción y creación artística que otorga el IQCA son no solo suficientes, sino entregados de manera adecuada: “por lo menos desde la gestión de Manuel Naredo, Director del IQCA, los proyectos van a concurso. Creo que el IQCA se ha ocupado de que los jurados tengan la autonomía necesaria para premiar los proyectos que ellos consideren adecuados, y no por presiones políticas, periodísticas, compadrazgos o de amiguismo, que en administraciones anteriores eran muy recurrentes”.

Agrego una aclaración que me hizo el maestro Agustín respecto a los apoyos; cito textual:

Carlos: Sólo tengo un dato que me faltó: cuando digo que las becas que otorga el IQCA a los creadores son suficientes, en realidad me refiero a la cantidad, no al monto de las mismas que en realidad es raquítico. No hay que perder de vista que en nuestra entidad, así como en el resto del país, las becas de verdad las reciben quienes están en la alta burocracia. Lo que recibimos los creadores son mejorales. Sin embargo, peor es chile y el agua lejos ¿no crees?

Gracias por la precisión; ya lo dijo el maestro.

Y el violín seguía sonando...

2007-06-23T12:01:00.000-07:00

Fue inútil la obstinación visual por encontrar en las carteleras cinematográficas de nuestras salas populistas (populismo, palabra aberrante en nuestro Estado) El Violín, ópera prima del director mexicano egresado del CUEC, Francisco Vargas, perteneciente a una nueva generación de realizadores que le apuestan al drama social y a la abstracción temática vía derechos humanos.
Opciones muchas, las mismas a las que recurrimos cuando de plano no llegan las cintas predilectas de verdadero cine a nuestras salas. Mientras se anunciaba la premier de Shrek Tercero, Los 4 Fantásticos y demás menudencias de pop corn movie, en cartulinas color verde neón se anunciaba la otra premier: ya se imaginarán cuál fue la opción que elegí.
Lo importante era que estaba en mis manos...¡con una sorprendente calidad! Una vez que hube recuperado la confianza, y que el despecho y la autoflagelación sucumbieron a mi sentimiento de culpa, comenzó la proyección, y al mismo tiempo la conmoción.
¿Cuánto tiempo de duración basta para que un largometraje se convierta en historia de vida? A Vargas le fueron suficientes 88 minutos. Desde el primer minuto el lector cinematráfico pasa de ser mero espectador a testigo ocular de la otra realidad que permea nuestra democracia, gracias a la imponente fotografía BW de Martín Boege y Oscar Hijuelos, la producción heróica de Vargas junto con Ángeles Castro y Hugo Rodríguez, y a la composición visual erudita del mismo Vargas.
La película no otorga concesión. Logra esa disyuntiva cinematográfica de concatenar sentido artístico y miseria humana, sin pretensiones. La imagen del personaje protagónico, Plutarco Hidalgo, interpretado sanguíneamente por Don Ángel Tavira, desglosan un discurso anacrónico, pero que incomoda, desafía, delata una realidad pulsante y existente en la tragicomedia nacional.
Los textos son breves pero elocuentes, cada palabra interpretada por Don Ángel, incipiente actor, a los demás personajes de la película es un desafío dialéctico y etnosocial.
La imaginación es otro elemento que destaca por su imponente acidez. No es una imaginación rosa o generativa de fantasía. Desgrana, coqueteando entre documental y drama, paso a paso eso que todos llevamos en nuestra vida: la visión fraterna, el abuelo condecendiente y protector, la historia de ambición y humildad contada por sus hombres, la desgraciada discriminación y el omnicentrismo cultural que nos hace olvidarnos de esas tierras mágicas, de aire puro y escritas en lodo.
Para los oídos sordos no hay remedio. Y no me refiero a los oídos impedidos por causas patológicas, sino a los que se niegan a escuchar por causas vehementemente políticas, mercadotécnicas, falaces. Olvido y sangre, tortura y muerte, la ley del más fuerte, que obliga a cargar piedras a nuestra gente en posición de nuestro señor jesucristo -así, en minúsculas. El grito de guerra exangüe contra nuestra propia tierra, ante nuestra madre sangre. Y de fondo la Mariquita, ejecutada literalmente con El Violín en tonalidades pardas, entre cascos de militares, humo de cigarrillos sin filtro y un constante olor a mierda.
Es inevitable terminar con las falanges adoloridas. La apuesta de Vargas indirectamente explota la impotencia y la vergüenza. El sacrificio es colectivo y la conmoción cede maquinalmente a la ejecución de un violín manco, imbricado en una artesanal y magistral mutilación. Plutarco, sin el don patronímico, se inserta en la reducida gama icónica de los Clásicos del Cine Mexicano. El Violín es una joya maldita que no estará nunca dirigida a los simpatizantes de los Estrenos de Cine de Verano, se ira por la tangente a convidar al arte y a la historia mexicanas un poco de lo mucho que le debemos al creador: RESPETO.
Felicidades a los que ya hemos visto y escuchado a El Violín. Invitación expresa a los que aún no.

Entrevista con José Luis Álvarez Hidalgo

2007-06-20T22:45:00.001-07:00

A raíz de proponer un proyecto de dirección teatral para la obra Sor María Ignacio lo explica todo para usted, el director teatral José Luis Álvarez Hidalgo, quien resaltó el apoyo “franco y decidido hacia el teatro”, se hizo acreedor al estímulo a la producción artística Apoyarte que otorga el Instituto Queretano para la Cultura y las Artes, y que según el director “será dirigido directamente a los aspectos de la producción y su próxima puesta en escena el 29 de junio en el Museo de la Ciudad”.

Álvarez Hidalgo nos habla sobre las expectativas que tiene para la producción de esta obra: “en cualquier lugar donde se ha presentado, aún en ciudades importantes de los Estados Unidos, como Washington o Nueva York, la obra ha causado serias controversias, protestas abiertas del clero y de grupos religiosos que han tratado de boicotearla, así como pronunciamientos de la Iglesia condenándola. Es una obra que levanta ámpula por la durísima y lúcida mirada de su creador. Tratándose de Querétaro nos esperan algunos rounds de sombra muy interesantes”.

Sor María Ignacio lo explica todo para usted, creada por el estadounidense Christopher Durang, escritor de comedia y teatro de lo absurdo, propone una trama que apunta directamente a la intolerancia, a los miedos y al fanatismo a través de un texto punzante, ácido y crítico. “La obra apela frontalmente a una reflexión entorno a preguntarnos qué nos pasa como sociedad a partir de la religión, desde todos sus matices, tanto educativos como morales, que serán vistos y confrontados por el público más temprano que tarde”, agrega Álvarez Hidalgo.

Sor María Ignacio... tiene un mensaje directo para el público: “ofrecer una reflexión muy honda por saber qué está pasando con la iglesia, la religión, la educación y la obstinada intención religiosa por querer apoderarse de todo el aparato social”. La obra ha sido positivamente acogida por públicos internacionales, ya que ofrece una alternativa escénica interesante, participación del espectador, humor negro y un ácido sabor a venganza que penetra en el público.

Desde una interpretación social las temáticas contemporáneas del teatro permean reflexiones de un tipo de sociedad que busca el progreso. Según Álvarez Hidalgo, tanto los teatreros como el espectador deben de tener el compromiso de compartir nuevas tramas dramáticas que partan de esa realidad que muchas veces no queremos ver, “de lo contrario no estamos evolucionando, ni como teatreros ni como sociedad”. Y añade que “si nos quedamos estancados en ciertos géneros que son complacientes para un público complaciente no existe el teatro”.

Distingue al teatro complaciente y superficial como “el teatro televisivo, es decir, el tipo de teatro que adopta los esquemas de los programas televisivos, produciendo un retroceso e involución teatral. La vanguardia está en los temas que son incómodos y perturbadores, pero sobre todo, llevarlos al público para que se enfrente con ellos”.

Reconoce que la inquietud por desarrollar teatro alternativo y con temáticas comprometedoras, parte de una sugerencia que le hizo “una amiga teatrera y militante de izquierda”, quien le dijo “ya deja de hacer teatro de melindres, de recamara y demás historias, hay que hacer teatro político, que es el que necesita nuestra sociedad”. Y acota: “a partir de la problemática política nacional, del fraude electoral del 2006, de la asunción al poder del presidente espurio, y de lo que vivimos ahora con la derecha en el poder, no podemos estar impávidos ni cruzados de brazos ante esta situación, sino participar activamente desde nuestro teatro para proponer alternativas y visiones distintas”.

Políticamente sentado a la izquierda, profesionalmente con una disyuntiva entre la docencia y la actuación, para Álvarez Hidalgo el provocar la risa a través del teatro como un reflejo de lo que somos y no nos gusta mucho reconocernos, y la catarsis como ejercicio dramático liberador de emociones entre el actor y el espectador, son las causas principales para realizar teatro comprometedor, obras que por medio de un proceso de comunicación comprometan la vida, la realidad y la forma de ver la existencia del espectador.

La característica teatral que distingue el trabajo de José Luis Álvarez Hidalgo es su renuente fascinación por realizar teatro coyuntural, con temas de tratamiento complejo y tramas elaboradas e impactantes para el público consumidor de teatro, a lo que el director refiere que “el teatro sustenta todo el drama y la emoción; trabajar con emociones a flor de piel, pero que nacen de lo más profundo de nuestro ser, siempre será un reto para cualquier actor y una exigencia para las diferentes propuestas de la dramaturgia”.

En contraste, nuestro entrevistado considera que los textos superficiales, como las comedias ligeras, no implican mayor complicación dramática y emocional. “Tocar fondo es, tanto para el actor como para la actriz y el público, un reto emocional y una ambición estética y artística que debe de hacerse presente en el teatro”. De lo contrario las artes escénicas se convertirían en un divertimento fácil y de entretenimiento banal.

Reconoce que el público espectador de teatro moderno en Querétaro ya se encuentra listo para ver nueva dramaturgia, pero la iniciativa comienza como un compromiso social por parte de los teatreros. “Recuerdo que en el año dos mil montamos la obra La Pasión de Peter Nichols, arriesgada visión del teatro inglés contemporáneo con alto contenido sexual, asumimos el reto y tuvo una recepción impresionante por parte del público”.

Tres dimensiones definen el perfil de Álvarez Hidalgo: docente en comunicación y periodismo, político de izquierda y artista de teatro. Esas tres facetas se encuentran imbricadas “no puedes andar caminando por la vida con una sola virtud. Para mí tanto la cuestión docente como la política han sido parte de mi vida desde estudiante. Cuando incursiono en el fenómeno artístico conjugo los tres elementos a colación”. Ejemplifica que el dominio de las artes escénicas “me dan ciertas habilidades como docente, confiriéndole un carácter muy teatral en mis clases, siendo este un excelente apoyo”.

La conjugación de la política y teatro lo ha estimulado para realizar anteriores montajes a partir de la realidad social y de la problemática política, tales como La Muerte y la Doncella del escritor chileno Ariel Dorfman, que trata sobre dictadura de Augusto Pinochet y Tres Mujeres Altas de Edward Albee, visión tripartita devastada inexorablemente por el tiempo.

- ¿Son suficientes los incentivos económicos para el apoyo al teatro en nuestra entidad?

- Nunca serán suficientes. Comparado con los apoyos que se reciben en Europa, particularmente en Alemania, pues no es nada. Aquí aportan cuarenta mil pesos, mientras que allá son cuatrocientos mil pesos, por poner un ejemplo. No obstante, hay un espíritu democrático por dar a todas las disciplinas y creadores artísticos un poco, y con ese poco podemos hacer mucho. Si nos toca a la mayor parte de los creadores que tenemos trayectoria, que hacemos cosas de calidad y que invertimos los recursos, tenemos los recursos mínimos necesarios para realizar una producción...después que dios nos agarre confesados.

Si lees se nota, pero no importa.

2007-06-20T16:44:00.001-07:00

Hay una página web que supuestamente se encarga de promover la lectura entre la población juvenil, a partir de considerar al arte literario "como una actividad constructiva, divertida, que trae grandes beneficios en diferentes planos, no solamente desde el punto de vista académico y laboral, sino también como una herramienta de interacción social, de crecimiento personal y auto-conocimiento" (sic). El sitio está diseñado con un estilo muy parecido al que presenta el sitio de la Secretaría de Turismo, es decir, una plataforma con colores cálidos superpuestos a un fondo blanco, movimiento, las fuentes de los textos sin sarif (como la Arial, no adecuada para lectura de textos literarios, a propósito) y con lenguaje ameno y despreocupado. Si lees se nota es un proyecto conjunto entre el Centro Educativo y Cultural del Estado Manuel Gómez Morín, mejor conocido como La Central, el Instituto Queretano de la Juventud Pulso Joven, a través de la Secretaría de Educación Pública y el Gobierno del Estado de Querétaro.
Puede a simple vista parecer un loable esfuerzo para la promoción y el fomento de la lectura en la población joven; de por sí el adjetivo joven connota un espectro muy amplio, el público hacia el que va dirigido el proyecto puede ser heterogéneo a partir de un análisis de los contenidos de la página. Desafortunadamente el sitio presenta carencias importantes y no deja de ser otra pifia dentro de los proyectos de fomento cultural. Veamos:

El sitio está dividido en secciones. A pesar de que se trata de fomentar la lectura, las secciones omiten vinculaciones directas con literatura, salvo la misma pestaña de literatura, que ya sería el colmo si no existiese. Las secciones son: home, literatura, estilo de vida, música, entretenimiento, downloads y patrocinadores. Estilo de vida parece más adecuada a literatura comercial de revista juvenil pop; música es arte agregada al sitio, pero no como disciplina artística, más bien como agregado comercial; entretenimiento es una adecuación cínica de un menú ocioso; downloads es un anglicismo tan vacío como su contenido; y la sección de patrocinadores como los primeros cómplices de esta errata.
En la sección de entretenimiento hay una colaboración muy peculiar. Se trata de un texto infame, escrito en la casa de la presidenta del Club de Fans de Diego (¿?). ¿Desde cuándo la lectura se encuentra vinculada a la estulticia que puede fomentar este tipo de estrellas? ¿Cuáles son los criterios editoriales para aceptar una colaboración de esta naturaleza? A continuación un fragmento de dicho esperpento: Así es como este bombóncito está tomado un lugar importante dentro de la actuación y de la música y parece que la combinación de ambas actividades le sientan como anillo al dedo. Pero Diego no es ningún improvisado ya que su carrera surge desde su participación en el reality show infantil Código FAMA. Ésto le abrió las puertas al mundo de las telenovelas infantiles como Alebrijes y Rebujos y Misión SOS. El éxito de estas telenovelas fue rotundo lo cual también le garantizó su entrada a la producción de RBD, que lo ha catapultado a la fama. Pero lejos de ser un gran actor su mayor sueño es la música y hoy en día esta firmado por la casa disquera EMI Music México, lo cual le está permitiendo proyectarse con su primera producción discográfica como solista: Diego.
A pesar de las recientes conmemoraciones de la obra Cien Años de Soledad, del Día Internacional del Libro, del Día Internacional de la Libertad de Expresión, del Concurso Nacional de Narrativa Una Vuelta de Tuerca... el sitio no hace ninguna referencia ni mención mínima a tales sucesos que le conciernen directamente a la literatura.
Se apela a la literatura como estilo de vida, más que a una disciplina artística y humana. Cito una referencia de Leaman: Es el libro un vehículo que nos permite aproximaciones con culturas, usos y costumbres que por situación histórica, geográfica o racial nos son distantes y habitualmente inaccesibles. Es, el libro, un espejo a través del cual la sociedad puede mirarse a sí misma y construirse y reconstruirse a partir de nuevas visión y nuevos paradigmas.

Se agradece que de repente se puedan encontrar textos de creadores queretanos contemporáneos, como Franka Potente bebe ron y toma un ácido de Luis Alberto Arellano. Salvo dignas excepciones, el esfuerzo debe y puede dar para más, lejos de la condena que implica la simplificación de la cultura en un mero estilo de vida que no tardará en hacer ¡POP!

The Bird & the Bee

2007-06-18T17:53:00.000-07:00

Han quedado lejos las etiquetas que imponían implacablemente un calificativo insustancial a la música. No es que estemos entrando a la etapa del determinismo global de la música. Ahora la innovación y la creatividad se han unido al talento y a la musicalidad en un sentido horizontal nunca antes visto. Las influencias han funcionado como meras mediaciones para la provocación artística sin cortapisas y en profundo sentido hacia la trascendencia.
Claro ejemplo de ello es el trabajo de The Bird and the Bee, quienes con su album debut del mismo nombre trasgreden una frontera que se antojaba imposible de vencer: la monotonía.
Compartiendo un manifiesto gusto por los estándares del jazz (una especie de ritual perenne al real book) y una extraña fascinación a la psicodelia más anacrónica y mucho menos pretenciosa, surge un producto de una elevada manufactura musical y, ¿por qué no?, visual.
Las imágenes sonoras que evoca el disco tienen una carga simbólica neoyorquina, jazzística, de una película futurista ambientada en el Brasil de los años sesenta (como ellos mismos lo definen).
Again and again, and again... Would you be my fuckin' boyfriend, Because, my fair lady... son sencillos con un impresionante bagaje sonoro, propuesta en la armonía y melodías que dejan huella profunda, gracias a la dulce y ácida voz de Irana George. Las cadencias armónicas, con enormes saltos de intervalos y versatilidad en las inversiones, aunado a un sonido pulcro y con buenos recursos tecnológicos son productos de Greg Kurstin.
La portada del CD es una invitación por demás genuina para cazar anacrusas y sentirse aludido y coludido en sus sonidos, sus paneos inteligentes y sistemáticos, en una melodía que seduce como pompas de jabón.
Hay que conocerlos para saber de lo que nos estamos perdiendo cada segundo sin un poco de su música.
Se agradece...

Los Nike McFly podrían ser una realidad

2007-06-06T19:36:00.001-07:00

Recuerdo que en 1989 fui muy emocionado al cine para ver la parte 2 de la innovadora saga (lo sigue siendo, creo) Back to the Future, protagonizada por el otrora niño bonito de Hollywood, Michael J. Fox. Entre tantas cosas que hicieron alucinar a no pocos de los niños que estábamos en el cine, fueron los tenis Nike Air 2015 de Marty.
Pues ahora eso se podría convertir en una realidad, ya que un nostálgico canadiense llamado Al Cabino está recolectando firmas para que la empresa Nike se anime a lanzar al mercado el diseño, que originalmente fue diseñado por la célebre marca única y exclusivamente para la película .
Había un blogspot con más detalles pero desapareció: http://operationmcfly.blogspot.com
Hasta el momento llevan 16000 firmas, incluyendo la mía; si alguien se anima:
http://www.petitiononline.com/future2
En YouTube ya está el comercial...hecho por otra partida de nostálgicos, pero muy bueno:
http://www.youtube.com/watch?v=Wdp0AOK8Sa0

Eduardo Milán y la lírica grande.

2007-06-03T22:42:00.000-07:00

"Se trata de encontrar un pensamiento que implique darle una cierta objetividad desde el punto de vista del conocimiento”, así definió el poeta uruguayo Eduardo Milán el objetivo primordial del curso La lírica grande, América Latina en su poesía, seminario auspiciado por el Instituto Queretano de la Cultura y las Artes (IQCA) que imparte el autor desde el 16 de febrero hasta el primero de diciembre del presente año en el Centro Estatal de Formación Artística y Cultural (CEFAC).
En torno a este seminario se dan cita escritores, lectores y público interesado en tener un acercamiento más directo con la literatura, particularmente con la poesía hispanoamericana. “Llevar lo que se entiende como creación, acompañada de un áurea y un misterio, a un pensamiento que implique darle a la poesía una objetividad para el conocimiento” es un esfuerzo implícito dentro del seminario que trata de conjugar un acercamiento objetivo en los niveles de conciencia dirigidos a los terrenos de lo subjetivo propios de la lírica, precisó Milán.
Entrevistado dentro de las instalaciones del CEFAC, a Eduardo Milán se le cuestiona si la poesía ocupa el mismo lugar histórico que tenía cien años atrás. “Sin duda no, cien años atrás teníamos un conflicto con la realidad y manifestación del arte, pero este cuestionamiento ya no está en juego”. Hoy nadie, a decir de Milán, se plantea cuestionamientos sobre la realidad del arte, si éste va a renacer o va a ser otro producto a partir de las vanguardias, “ahora se trata de aceptar un sobreentendido de lo que no se sabe del arte”, señaló.
Un presupuesto necesario para la comprensión de la obra de arte en general en la realidad contemporánea es una confrontación del ser humano ante la obra misma, una especie de relación dialéctica y crítica que distingue la presencia de la obra en el tiempo y espacio subjetivos, que confrontan a la realidad del presente y que no necesariamente se encuentran en la obra, “uno como lector tiene que evidenciar las crisis a la obra, sacarle la edad, develar sus marcas y reinterpretarlas”, según el autor de Manto.
A pesar de una hipotética existencia de la lírica dentro del entramado social, para Eduardo Milán ni el creador ni el lector de poesía ocupan una función social dentro de dicho entramado: “me gustaría que la tuvieran, pero más que función el creador y el lector tienen una conciencia de que la lírica no tiene una significación como la tenía anteriormente”. Para Milán la existencia de seminarios en torno a la literatura manifiesta un interés extendido no sólo entre lectores y escritores, sino en público en general que le aportan “ese pensamiento alrededor de la obra” que constituye una actividad de retroalimentación entre el arte y su gente.
Más allá de especulaciones en torno a las obras célebres de las letras hispanoamericanas presentes dentro del programa del seminario, tales como Neruda, Gorostiza, Paz, Sabines, Cervantes, se intenta establecer una nueva implantación de criterios a partir de la obra misma. “Un texto de Borges tiene la escritura de siempre, pero esta no tiene la misma significación en todo momento, está alterada, incluso, porque la necesidad de esa escritura, de cara a otro tiempo histórico, es otra”. Y continúa su reflexión: “la perennidad de la obra no depende de la interpretación, depende de la conciencia histórica que tiene el lector para modificar esa interpretación”.
Eduardo Milán reconoce que, en contraste con la existencia de la belleza como un elemento indispensable para la creación literaria clásica, en la actualidad se soslaya ese elemento: “ya no importa, no le pedimos belleza, le pedimos una capacidad de conmoción”. Esta sentencia está directamente implicada con la continua demanda de conmoción que expresa nuestra realidad histórica. “Incluso esta demanda está saturada de conmoción, sabemos que estamos en guerra, que Estados Unidos invadió Iraq, sabemos que vivimos en un peligro latente alrededor”, arguyó.
Pero esta demanda de conmoción emanada de la realidad cotidiana no es explotada por la poesía, “no necesariamente conmueve en los terrenos de lo real”, precisó Milán. Sin embargo, el autor reconoce que a partir de la predilección por la realidad, que configuró el espíritu del siglo veinte, “desarrollamos pulsiones a partir de que no se puede aprehender lo sustancial de nuestro entorno, aceptamos de la realidad lo que todavía no aceptamos del arte, a pesar de que de alguna manera el arte siempre va por delante de la realidad”, sentenció.
A partir de esos pensamientos, Eduardo Milán destaca reflexiona: “recién estamos aceptando que el arte no es lo que nosotros lo entendíamos como sucedáneo de lo que nuestras carencias inmediatas, sino que es algo que implica principalmente un explotación del saber y la lucidez”.
Sobre sus próximos proyectos vaticinó que “seguiré dando clases y cursos, presentaré un libro de ensayos sobre poesía mexicana y un par de libros de poesía, uno en México y otro en España”, de próxima aparición.
Allegado a México desde 1979 en flagrante persecución a Pedro Páramo, relacionado desde la poesía con Octavio Paz, José Emilio Pacheco, entre otros, Eduardo Milán se sabe presente dentro del espectro lírico latinoamericano y con una presencia mexicana histórica. “Eso me conectó para bien y para mal con el estado del arte literario mexicano, me hice de amigos y enemigos hablando de las cosas que uno defiende. Tal circunstancia constituyó una plataforma importante, a partir de ese momento establecí un contacto crítico con las posturas literarias de la época, lo que sin duda no significó un lecho de rosas en el heterogéneo mundo literario mexicano”. Se define a sí mismo como un creyente del debate de las ideas, “la participación intelectual en la cultura es precisamente el debate; no es una forma de brindis, ni tampoco el ninguneo, es la manera de incidir y de intervenir desde los diferentes puntos de vista en torno al pensamiento y la reflexión lo que enriquece a la creación”, concluyó.

Homenaje póstumo a Pablo Osejo

2007-06-01T22:42:00.000-07:00

Me quedó a deber una cita y le quedé a deber una llamada ¿o fue al reves? Nunca lo sabré. Me trató como si me conociera de toda la vida. Me metió a su casa con la confianza que sólo un viejo como él puede ofrecer. Siempre agudo, alerta de todos los detalles, ferreo observador y enorme apasionado de todo lo que sea literatura. Le quedaron muchos pendientes... ya los cumplirá.
Ofrezco una entrevista que devino en clase magistral de periodismo el 11 de febrero del 2006 en su humilde casa. Don Pablo: lo voy a extrañar; disculpe la grosería de homenaje que le dedico. Periodistas somos y en la Senda andamos.

Pablo Osejo, por Juan Patalarga.

10 de febrero de 2006.

Una casualidad. El encuentro fue fortuito pero oportuno para arrancar algunas respuestas a una personalidad sagaz, a quien un pelo tapiado de canas no le impide erguirse y delatar una vida dedicada a casi todo, casi con sorna, casi con humildad. Por la manera en que habla se infiere un dejo de pedantería y prepotencia burguesa, pero una de las casa más modestas albergan al hombre que pasó de ser un periodista de la sección de sociales hasta funcionario de Hacienda. Negado desde un principio a dar entrevistas, se desglosa parte de su retrato en un diálogo consigo mismo, entre memorias y olvidos:
Soy Pablo Osejo, papá del columnista del am, Luis Gabriel Osejo. Voy a cumplir setenta y tres años en junio próximo y siempre he escrito. También soy periodista, pero no solo eso. Fui de todo... en esta vida he hecho de todo. Habías de ver todo lo que dicen de mí todos los diarios, revistas y demás: am, Noticias, Diario de Querétaro, la revista Actores y Escenarios, El Corregidor. En realidad ya no estoy para entrevistas porque de mí se ha dicho de todo. Los medios dijeron todo de mí. Ya con los años que tengo en el medio ya no se qué te pueda decir.
Yo, entre otras cosas, fui director de la revista Senda, que se publicó desde 1977 hasta 1979. Es la única revista Queretana que ha trascendido más allá de Querétaro. Es de las mejores revistas que se ha hecho. Y no lo digo yo ¿eh? Lo dice la prensa. Pero no porque haya sido yo el director, sino por la gente que trabajó en la revista. Ahí trabajaron conmigo: Sergio Arturo Venegas Alarcón, que es director adjunto del Diario de Querétaro. Trabajó conmigo Carlos Jiménez Esquivel, que ahora es director editorial de Noticias. Trabajaron conmigo los fotógrafos: Cervantes, Juan Botello, hermano del secretario general de gobierno. Trabajaron periodistas como Pablo Cabrera, que es uno de los grandes poetas queretanos. Sin embargo, a pesar de mi amistad con Sergio Arturo Venegas mi hijo nunca podría trabajar en el Diario, de hecho le cerraron las puertas. Es por la línea editorial que les mandan desde arriba. Por eso Sergio no hace más que seguir la línea y punto; por eso su diario es malo.
Dentro del periodismo empecé criticando a la política, a los políticos, a los que son ladrones y corruptos. Una vez con Hank González cuando se hablaba de que al Distrito Federal llegaban un promedio de trescientos provincianos al mes, por el fenómeno de migración, allá por los años cincuenta. Hank González dijo públicamente que al D. F. solamente iban los valientes. Entonces le hice una crítica muy fuerte que le entregué personalmente, en una entrevista que tuvimos. Le dije que al D. F. se iban los cobardes, porque hasta la colonia más pichurrienta tenía luz de petróleo, mientras que aquí en provincia seguíamos abandonados con caciques, malos gobernadores y policías.
¿Brincando de la función pública al periodismo? ¡No, no, no, no, siempre escribí aún trabajando en el gobierno federal, estatal o por mi cuenta! A pesar de las pláticas a causa de mis reportajes. Pero nunca me llamaron la atención, so pena de mandarlos a la fregada.
Dicen que ha cambiado mucho la ciudad de Querétaro. Antes todos los queretanos se conocían entre sí, pero ahora no. Eso no es cierto, a mí todavía me saludan. Pero no me considero famoso, ni que se me haya subido el éxito. ¡Ay es que la gente se marea! No a mí no. Pero no solamente fui director de Senda. Fui contador general de la Secretaría de Recursos Hidráulicos; administrador general de la Presa Constitución; jefe del departamento de alcoholes; procurador general del trabajo en todo el centro del país; delegado en Querétaro de la Sociedad Nacional de Periodistas y Escritores ¡No hombre, yo ocupé muchos cargos importantes! La revista Senda fue pecata minuta.
A pesar de los cargos importantes el dinero nunca me interesó. De periodista no ganaba dinero, ganaba más de los negocios que tenía por fuera, como mi cafetería, La Calabaza, que fue la primera en Querétaro en ofrecer café, música y libros. De periodista nunca gané nada. Escribía para El Universal algunas colaboraciones de a gratis. Casi pagaba para que me dejaran escribir. Además es muy fácil que uno andando en el ambiente se crea mucho, pero conmigo no fue así. Yo siempre fui muy humilde y muy modesto.
Y sí, también hubo mujeres. ¡Uy! Hubo varias mujeres. Era bien fácil encontrarse con mujeres dentro del periodismo, sobre todo cuando trabajé en la sección de sociales. Ellas piensan que porque uno anda metido en el medio, uno es rico, famoso, conocido, que uno anda de fiesta en fiesta. Por eso me seguían demasiado. Tuve varias mujeres que se entregaban por mí. Me escribían poemas o escritos, todas ellas, no hubo una que no me escribiera por lo menos unos versos. Yo aprovechaba a veces y los publicaba en los periódicos donde fuera. Las mujeres hablaban maravillas de mí porque yo siempre fui una persona muy honrada y honesta. Siempre me gustó tratar bien a las mujeres.
Soy uno de los hombres más afortunados. Hice lo que quise, cuando quise y como quise. Nunca me sentí arrepentido de nada. Siempre me dediqué al trabajo, que fue lo que me dio todo. A lo mejor sin dinero como antes, pero con la satisfacción de haber trabajado muy duro y de haber conocido a mucha gente que no cualquiera podía conocer. Yo me hablé de tú con el presidente, con el gobernador, con actores, escritores... Siempre me la pasé muy bien con los amigos, hicimos mucho relajo y rodamos de aquí para allá.
Hace algunos meses todos los periódicos hablaron de mí. Estuve delicado de salud y pues me tuvieron que intervenir. Ya nada más estaba pensando qué me iba a pasar. ¿La muerte? No, no le tengo miedo. Te voy a decir algo que se me quedó bien grabado, y que me identifica plenamente con mi forma de pensar. Una vez entrevistaron a Michael Burton, el actor protagonista de la película La Reina de Saba. Le preguntaron si tenía miedo a la muerte. Él les contestó: Ya fumé demasiado, tomé demasiado y amé demasiado; puedo morir en paz. ¡Y así es como estoy ahorita! Ya me eché mis buenos tragos, fumé mucho y tuve muchas mujeres a las que amé mucho. Ya me puedo morir contento y en paz.

Mi veldá

2007-06-01T22:36:00.001-07:00

Velas 1

2007-06-01T21:58:00.000-07:00

Comienzo con el ejercico sintético tan ansiado por mi para elucubrar literalment en torno a textos tejidos en la calle:

1.- La Ley de Valladares: o te chingas o te ARRes...tan. Al final de va peor.

2.- ¡A la ver...Gallos no hay equipo! Oh bendita salación.

3.- Eric, salas... no me vuelvo a subir a tu Suburban.

La magia del autogol, o del arte de la autohumilación.

2007-06-01T21:40:00.000-07:00

No tengo idea de que exista una persona más docta en el arte de la autoflagelación como lo es el señor Charly García: tiene el arte de burlars de los demás a costa de su propia persona.
Después de esta breve introducción que da cuenta de lo que significa la magia del autogol o el arte de la autohumillación permítame despotricar un momento en este escrito delator.
Y es delator porque desvela mis carencias y mis recurrentes recursos en la redacción producto de una imitación parasitaria, de una mecánica literaria que se niega a ceder y me condena a los tabloides abstractos que sólo son posibles en mi reducido espectro de la realidad. Es delator porque engendra a mis complejos y mis desviaciones, mis necesidades y mis carencias tan arraigadas como mi falta de un Nintendo 8 bits original cuando tenía 6 años. Es delator porque sirve de pretexto para mostrar mi ardidez por mi complexión inevitablemente robusta, mi cara ancha, mi color de piel enlodado, mi extraña forma de manos, mi insoportable olor a sudor si no uso desodorante (o si el antitranspirante no es compatible con mi PH), enorme nariz, frente, labios y lengua. Es delato0r porque enclaustra a mi incipiente orgullo y deja libre a mi frustración profesional, al músico, poeta y loco que llevo dentro, al talento de media clase y el wannabe jazzero que siempre he sido; cantante malo y guitarrista peor, nefasto ejemplo de lo que no se debe hacer y peor ilustración de lo que significa ser un tipo como yo. Soy humilde pero envidioso; soy amigo pero me gusta el desquite; soy sensible pero colérico; soy carismático pero insufrible; soy horrible pero chistoso; soy pero no me queda más remedio que ser quien soy.
Me queda el bendito consuelo de ganarme el derecho de mofarme de los demás... cualquier respuesta la recibiré como un lujo...creo que lo valgo.

La violencia como sucedáneo del sentido común.

2007-05-31T16:47:00.000-07:00

Es curiosa la manera en la que se reciben los últimos actos delictivos en nuestra ciudad postbarroca. Querétaro y su gente siguen obstinados en tratar al incremento de la violencia como hechos aislados que "perturban la paz y el orden de un estado tranquilo". Una bomba de tiempo oculta destrás de cabezas periodíticas efímeras con olor a intereses privados: "Es Querétaro paraiso para inversionistas"que solamente contribuyen a la construcción de maniqueismos que no hacen más que potenciar la violencia latente y pujante. No festejo con este comentario el crecimiento de la violencia ni funjo como apologista del delito para celebrar el fracaso de la prevención del delito, pero trato de esbozar un comentario realista que trata de coadyuvar una dimensión seria al fenómeno de la violencia.

El secretario municipal de seguridad pública, Amadeo Valladares teje un remedo de Guernica, pase de lista y gritos, regaños, amenzas y causales de impunidad. Para el secretario no importa la prevención del delito ni mucho menos fomentar la convivencia social por medio del estado de derecho y el marco jurídico. La ley no existe. Para las corporaciones policíacas es intrascedente que se conozca la ley y los límites del inevitable uso de la fuerza con el uso instrumental y exacerbado de la violencia. El arma perfecta, pues, es la violencia. A propósito, se recuerda una cinta de 1991, de bajo presupuesto y actuaciones nulas, que pretendía seguir los pasos de insípidos fracasos cinematográficos: El arma perfecta. ¿Para qué contratar consultores en seguridad pública, manejo de crisis, legislación y criminología, derechos humanos y prevención del delito, entre muchos, si podemos contratar al arma perfecta? Jeff Speakman, otrora protagonista de la película dirigida en ese entonces por Mark Disalle (también dirigió Kickboxer 1 y 2) y gran amigo de Valladares fue el encargado de impartir un curso de violencia instrumental a los cadetes aspirantes a ocupar un lugar en las corporaciones policíacas municipales y estatales. ¿Qué relación existe entre la contratación de un ex-actor con garantizar la construcción de un Querétaro seguro? El estado de derecho, la procuración de justicia, la prevención del delito y la importancia de la educación quedan relegadas a técnicas para lastimar presuntos sospechosos. La violencia se combate conmás violencia, solo que tecnificada. Seguramente que las sorpresas no acabarán allí, ya que la renuencia del candidato gubernamental Manuel González Valle por mantener a un sistemático apologista de la violencia le apuesta a la crispación en lugar de la educación y la promoción de prospectos de desarrollo social y de garantías individuales. No son procesos de inadaptación ni fenómenos sociales, los delincuentes son los malos de la película a quienes hay que exterminar a como de lugar; "una sociedad justa, sana y feliz" está de por medio.

Dos escritores secretos de Alejandro Toledo.

2007-05-28T21:43:00.000-07:00

Alejandro Toledo presentó aquí en Querétaro, el pasado jueves 24 de mayo, su más reciente trabajo editorial Dos escritores secretos, una compilación compuesta de trece ensayos sobre los escritores mexicanos Efrén Hernández y Francisco Tario, del Fondo Editorial Tierra Adentro, en un café frente al Museo de la Ciudad en la Calle de Guerrero. Una presentación que devino en charla y a la que solamente asistimos no más de seis personas; eramos los que estábamos, pero estábamos los que teníamos que estar.
Enfático, Toledo afirmó que Dos escritores secretos no pretende “crear monumentos a Efrén Hernández ni a Francisco Tario, sino que la obra de estos escritores secretos y raros encuentre lectores que los quieran explorar, que se sientan atraídos por una literatura diferente y particular emanada en nuestra nación”. Esta ambición constituye para el autor un buen riesgo: “se trata de que las obras de Hernández y Tario sean necesariamente leídas”.
Dicha presentación consistió en la reflexión en torno a los textos que se ofrecen dentro de la compilación de Dos escritores secretos, donde a decir del compilador “se puede apreciar incluso el carácter extraño y raro de los dos escritores mexicanos”. Para Toledo, se trata sobre todo de “compartir descubrimiento de dos escritores mexicanos que han sido poco valorados en el espectro literario nacional y que sus obras circulen; no busco que se les rindan homenajes oficiales sino que sepamos que existen”.
Una presentación de libro que devino en charla entre el autor y los asistentes, fue el marco para un debate sobre las aportaciones literarias de Hernández y Tario, pero también para el descubrimiento de similitudes y divergencias entre los dos escritores mexicanos a los cuales están dirigidos los textos elaborados por trece ensayistas jóvenes de distintas latitudes de la república.
Toledo destacó la principal característica que define a los escritores raros, de la misma categoría de Hernández y Tario: su escasa producción literaria que, sin embargo, delata su genialidad. Y puso de ejemplo a Juan Rulfo, “quien con solo dos libros desistió de ser una figura intelectual permanente; quizás en caso contrario habría escrito solamente libros malos”.
Los ensayos reunidos en Dos escritores secretos tienen un doble objetivo: fomentar el estudio del estado del arte de la literatura nacional y fomentar la producción literaria ensayística de escritores jóvenes mexicanos. “Se trató de extender una invitación a compartir puntos de vista sobre los diferentes enfoques creativos que ofrecen Hernández y Tario. Los ensayistas se mostraron agraciados de dicha invitación y respondieron con un buen trabajo que ahora el lector tiene en sus manos”, refirió Toledo.
Reconoce que al plantear la creación de la compilación a los ensayistas jóvenes “fue muy bien recibida la propuesta. A los que contribuyeron con la obra les gustó haber tenido un contacto literario con Efrén Hernández y Francisco Tario”. Pero además, por la forma en que se conformó la compilación, el autor destacó dos funciones que desarrolló dicho proyecto: “por un lado el que los escritores tengan conocimiento de las sociedades literarias que se reúnen en torno a un autor. Por otro, el que los jóvenes ensayistas descubran que muchas veces los escritores menos conocidos son los más interesantes”.
Lejos de la mecánica que supone una presentación de libro, esta presentación desistió de contar con panel, moderador y un gran foro, para convertirse en un diálogo entre autor y asistentes, construido a partir del libro. Para Toledo en esta presentación la forma fue fondo: “los mismos Hernández y Tario promueven ser leídos por públicos muy selectos, que aspiren a tener una experiencia literaria diferente y que no necesariamente se cuenten por cientos, no tratamos de que se lectura sea masiva sino adecuada”.
Autor de James Joyce y sus alrededores (2005), Alejandro Toledo declara que “para la mayoría de los críticos literarios le cuesta mucho entender los trabajos de escritores raros, como en el caso de Hernández y Tario. Frecuentemente este tipo de escritores son tachados de escritores menores, dado que no se adaptan a loas formas literarias típicas como la novela, la poesía y el relato, sino todo lo contrario”.
Sobre los perfiles de los Dos escritores secretos el autor destaca que: “los escritores raros presentan generalmente una rareza en su escritura pero también en su personalidad y figura pública. Efrén Hernández era muy carismático, amable y simpático, incluso contaba con un círculo de seguidores, a pesar de su escritura transgresora; en contraste Francisco Tario siempre se mantuvo distante de todo contacto público, no presentó ningún libro ni otorgó ninguna entrevista”.
Los criterios que utilizó Alejandro Toledo para la selección de los ensayos no constituyeron un trabajo de selección estricto. “A partir de la invitación a los ensayistas los textos fueron surgiendo y como me llegaban fueron incluidos, no hubo una selección de material”. No obstante destacó que “traté de que no se repitiera la temática de los textos, algunos escribieron sobre poesía, otros sobre narrativa y algunos otros sobre los aforismos de Hernández”.
A partir de la lectura de los ensayos se advierte en primer lugar un interesante valor pedagógico para el estudio y análisis literario, según la interpretación de los textos que cada ensayista aporta. Alejandro Toledo no soslaya la posibilidad de que los mismos ensayos reunidos en Dos escritores secretos constituyan una contribución importante para el estudio de la literatura nacional desconocida o infravalorada: “creo que cayó bien a los ensayistas una interpretación particular de Hernández y Tario, constituye una forma de revelar alternativas creativas ante los modelos literarios impuestos a partir de la escritura misma, pero el mayor beneficiado es el lector quien tendrá la oportunidad de acercarse a la obra de dos genios de la literatura poco valorados”, concluyó.

No hay guitarra griega, ni mexicana: Costas Cotsiolis

2007-05-28T18:33:00.000-07:00

Para Costas Cotsiolis, guitarrista virtuoso griego, “no hay guitarra griega, no hay guitarra mexicana, no hay guitarra japonesa…no hay nada nacional; hay diversidad de estilos, guitarristas de diferentes países, pero yo creo que hay una escuela internacional compuesta por diferentes influencias por las experiencias de los profesores”, dijo en entrevista previa al concierto que ofreció aquel viernes 20 de abril en el Teatro de la República dentro del XI Encuentro Nacional y IV Internacional de Guitarra Querétaro 2007.
Revela que su predilección por la guitarra y su formación musical no comenzó de manera directa a pesar de que fue a muy temprana edad: “realicé paralelamente estudios de economía política; el estudio de la música no lo inicié para trabajar como músico, sino para entender la música y la cultura en general”.
Dentro de su formación musical, la cual comenzó desde los seis años, Cotsiolis ha desarrollado un trabajo intenso en la exploración de la guitarra, pero asegura que el trabajo constante lo llevó a logros muy tempranos: “toqué con la Orquesta Sinfónica de Grecia a los quince años de edad el Concierto de Aranjuez de Rodrigo”.
Resalta la importancia de los festivales y encuentros de guitarra, “ya que son la base para comenzar efectivamente una proyección internacional; allí inicia un importante trabajo de compartir y escuchar a otros artistas, directores, orquestas y estilos musicales”. El primer encuentro donde participó fue en Hungría en 1977, “donde se encontraron cerca de quinientos guitarristas del mundo occidental y oriental. Gracias a ello conseguí más invitaciones de muchos países para actuar en otros festivales, y fue así como pude rebasar las fronteras de mi país”.
A propósito de la nacionalidad de un estilo en la ejecución de la guitarra, insiste en que no hay una escuela nacional por excelencia que tenga distinciones relevantes: “un buen guitarrista griego toca lo mismo que un buen guitarrista español o mexicano. Hay música nacional, pero escuela de guitarra por excelencia no. Por ejemplo, hay alemanes que tocan muy bien obras de Manuel M. Ponce”.
Costas Cotsiolis considera que vivimos en tiempos de una “globalización musical” a favor del arte guitarrístico, donde “con un clic tenemos acceso a infinidad de música de otras países que antes era imposible de imaginar”, siempre con una finalidad de compartir y conocer música nacional para guitarra de otros países.
Desde 1978 dirige el festival internacional de guitarra de su país, que está a punto de cumplir su trigésima edición. Este es un movimiento interesante para el arte guitarrístico griego ya que “es como una cocina donde se han cocinado los guitarristas griegos con información musical desde América Latina hasta Australia”. Así, la personalidad del guitarrista se formará primero por la información musical con la que cuenta y después con el carácter de cada artista.
Y resume lo que en su opinión son los elementos necesarios para estructurar a un artista: “antes que músico, debemos poner atención en la persona. La persona y el carácter, aunado a la información musical, formará la personalidad del artista”.
Respecto a la influencia de uno de los compositores griegos más importantes del siglo veinte en la música para guitarra se le pregunta:
-¿Qué significa para usted el nombre de Mikis Theodorakis?
-Primero amigo. Más que músico su personalidad influyó en la política griega a partir de su visión crítica. Después maestro, imprescindible para la música contemporánea del siglo veinte.
A propósito de la crítica y de su experiencia en la docencia, se le cuestiona respecto a la situación de la educación musical en la actualidad. “Estamos viviendo una globalización en todos los sentidos. Si alguien quiere seguir vivo en este mundo, lo primordial es proteger la personalidad y el carácter, ya que así tendrá la oportunidad de elegir la información”. Agrega con propiedad un aforismo platónico “los hijos que crecen en una familia no crecen para la vida social, sino con egoísmo y competencia. Por el contrario, la vida social no necesita gente con esos sentimientos”. Por tanto, la educación es el primer paso para un desarrollo personal efectivo lejano a sentimientos de egoísmo y competencia.
-¿Qué se siente ser uno de los mejores guitarristas del mundo?
- Nada, absolutamente nada. A mi no me importa si dicen que soy uno de los mejores o el mejor. Lo importante es mejorar cada momento el trabajo que tú haces, eso ayuda para llegar a un nivel que la gente lo acepte como alto nivel…y después vivir de eso, como todas las personas que realizan un trabajo.
-¿Quiénes son los compositores que más le gusta interpretar?
-Para los guitarristas el siglo veinte es el siglo de la guitarra. Me interesa por lo tanto la música contemporánea, no a un nivel tecnicista, sino más a un nivel de musicalidad. Está Ponce, Ginastera, Theodorakis, Brouwer.
-¿Qué tipo de guitarrista se considera usted?
- Un guitarrista clásico, que involucra un trabajo importante en el sonido, la técnica, opinión e información musical, o sea, un guitarrista completo a partir del trabajo que hago, pero corriendo siempre atrás de la perfección.
-¿Cómo define usted mismo a Costas Cotsiolis?
- Una persona que hace lo que le gusta desde hace muchos años, que vive feliz con eso, que no toma obligaciones más allá de lo que puede hacer…eso me hace dormir tranquilamente desde hace mucho tiempo.